Le 7ième Antiquaire

Notre toute première émission de 2012: Bilan à saveur sociologique de l'année 2011-La fin du monde et quelques sauveurs

2012-01-19T22:23:00.005-05:00

Cliquer au choix sur un des 4 chevaux de l'Apocalypse pour écouter notre première émission de 2012!

Ben voilà les aminches!

Après un hiatus pas permis de presque un mois et demi, vos emmerdeurs préférés sont de retour pour vous chatouiller les enclumes...fuck yeah. Fallait bien se ressourcer. Done. Go.

Un bilan pour 2011? Mais bien sur! Mais comme à notre habitude, pas question de simplement faire un top 5, ou de parler des grands films et des honteusement oubliés. Nope!

L'est question d'évaluer selon un angle sociologique, si si, ce que la production cinématographique de l'an dernier a eu de pertinent à dire sur l'état de notre civilisation, rien de moins.

Parce que Malick, Trier et Tarr ont parlé de fin du monde...respectivement, avec des dinosaures, Kristen Dunst et, comme le disait Gerry Boulet, pour une dernière fois. C'est totalement saugrenu quand on y pense!

De plus, question de nous sauver de l'eschaton, y'a eu des petits Jésus partout; quand ce n'est pas Branagh avec son Thor de plastique, c'est un anti-héros en bummer argenté dans une bagnole qui fait la gueule...et des chevaux.

Bref, c'est la fin des temps, et on veut quelqu'un pour nous sauver tout en nous divertissant!

Quelle année étrange! Quelle année magnifique!

En célébration

2011-12-23T23:41:00.004-05:00

Voici que la semaine achève, notre première semaine de vacances sans émission et sans comptes à rendre à personne. Je l’ai passé en sous-vêtement à jouer au Sega Genesis (console de plus de 20 ans) et que j’en vois pas un me juger là-dessus. C’est aussi durant cette semaine que l’univers se met d’accord sur une chose et cette chose doit être vécue dans l’impératif le plus absolu : c’est la fête de Francis, nous devons donc lui faire des offrandes digne d’un héros mythologique au casque d’or, ou à la cuisse légerte ça dépends à qui tu le demande.

Chaque année nous revisitons les classiques : une peau d’humain tué (et tamisé) pour que Frank puisse se coucher dessus comme un pin-up sexy, un mouton à l’haleine chaude qui puisse souffler sur son front pour préserver sa chaleur ou un long bâton de bois avec les trois premières phrases du Quran inscrites dessus. Seules les offrandes les plus redondantes seront escortées à la porte car ceci est plus qu’un amoncellement de lettres forgeant un texte de qualité (argumentable), les mots qui s'approchent sont une offrande, comme du beurre clarifié que l’on coule sur le dos de Ganesh, que je fais à mon pote Francis. Cette offrande est publique, car à la manière d’une cérémonie faite en groupe, je crois fondamentalement que les hommages qui sont fait en publics propagent un plus grand sentiment de sacré. La prière isolée, comme celles que nous faisons toutes les semaines à Choq.fm, rempli la nécessité de son usage mais ici nous offrons quelque chose pour un des plus illustres des bipèdes. Trève de demi-mesure, the dude deserves the whole shebang!

Alors moi, qui n’a plus rien à offrir d’autre que ce qui est fabriqué de mes mains Tchekhoviennes et mon esprit galvaudé aux jujubes, je me suis mis les mains au jeu. Que l’inspiration des muses viennent gratter de la neige en face de chez nous à cinq heures du matin, je me réveille et offre ici une tergiversation typiquement 7eim antiquairiesque dans laquelle nous ferons l’analyse d’une pochette, mais pas n’importe quelle pochette, aujourd’hui nous parlerons de Mammuth de Benoît Delépine et Gustave Kervern.

Pour la petite histoire sachez que c’est durant l’année 2011 que le Francis Ouellette à commencé un emploi qui, pour moi, faisait amplement de sens considérant son talent pour la jonglerie symbolique, responsable de DVD pour FunFilm, Francis s’est vu daigner la responsabilité de la conceptualisation des pochette de films de la boite de distribution, Mammuth n’est pas un sujet d’analyse anodin chois par hasard ou parce qu’il venait soutenir mes propos correctement, non. Mammuth est le tout premier film dont lequel Francis était entièrement responsable. Le DVD que je tiens dans mes mains est (un travail de longue haleine porté par plusieurs braves gens qui travaillent avec acharnement pour rendre ces titres disponible pour un public québécois) un produit 100% Frank the Bear (parce que oui : y’a un petit ours sur la pochette).

L’analyse qui suivra tentera de démontrer hors de tout doute que pour son premier DVD, Francis s’est donné dans toute sa splendeur symbolique pour livrer une présentation qui synthétise tout les grandes thématiques du film mais qui sert aussi comme rappel à son créateur. Dans les années à venir, lorsque des robots arriverons sur la terre glaciale et tenterons d’analyser les œuvres de ce cher fils de la Gaspésie ils découvriront que la clé de voute de toute sa création se retrouve dans cette pochette.

Premier point d’analyse : Francis est Depardieu, mais pas vraiment Depardieu mais plutôt le rôle le plus important que Depardieu à eu de sa carrière. Francis est Cyrano de Bergerac. Maître de l’usage de la langue et des hanches, Francis Ouellette porte le masque divin de Cyrano. La filiation entre les deux hommes se manifeste par une présence plus grande que nature. Malgré que Depardieu est maintenant parfois vu d’un œil peu flatteur, il inspire toujours autant l’immensité de l’âme du bon vivant, les deux hommes vivent avec une force d’existence alimentée par l’art, je crois que d’avoir Depardieu comme tête d’affiche n’est pas un hasard, comme cette première arcane que l’on utilise pour entreprendre un voyage, Depardieu sert comme père spirituel, un homme qui n’a pas d’égal et qui sert comme incarnation d’un autre homme qui habite Môsieur Francis : Honoré de Balzac. (Ouf je suis allé loin avec celui-là, allez voir des photos des sculptures de Rodin, c’est un peu weird comment les deux se ressemblent dans leur posture.)

Deuxièmement : Mammuth lui-même, qui désigne la monture et le personnage en même temps, dans le cas de notre cher « roasté » nous pouvons appeler Francis « Bixi » Ouellette. Fuckin’ A.

La pochette est aussi un usage fort d’un des premiers préceptes filmiques que Francis m’a légué. L’usage de la direction du parcours pour représenter la quête du personnage. Je sais de source sûre que Frank regarde beaucoup les transitions horizontales qui se font dans un film car, comme il me l’a dit une fois : Un personnage qui roule en direction droite symbolise l’avancement, si le personnage roule vers la gauche, sa quête en est une de régression.

Regardons les grands exemples :

En plus d’avoir un Depardieu qui se dirige vers le passé (vers la gauche), voilà que notre cher Francis a habilement ajouté l’image de feuilles qui s’envolent au vent du déplacement du personnage. Nous voilà avec un très beau double message rempli de sens. En mettant les deux figures ensemble on suggère que non seulement Mammuth recule vers son passé mais en faisant cela il se débarrasse aussi des mémentos de son vécu. Comme un Ishtar bedonnant, Mammuth revisite sa propre narrative tout en se débarrassant du poids de son passé, il se réinvente en conservant ce qui lui sera le plus utile sur sa route : le souvenir. Le voyage étant tout ce qui compte pour notre personnage, les traces de son histoire ne semble guère le préoccuper. C’est l’histoire qui compte, l’intériorisation des évènements et la possibilité de les avoir au bout de doigts et non pas empilés dans une commode. Le souvenir est la plus belle trace, sans trace, qui existe.

Pour un film qui met à l’affiche Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Isabelle Adjani et une chick qui s’appelle Miss Ming. Ajoute Francis là-dedans et t’a un casting Francophile de The Expendables. Si Frank avait un strike-team à monter pour une dernière mission, on peut être sur qu’elle compterait ces gens et peut-être Isaach de Bankolé.

Nous savons aussi fort bien que tout homme féru d’occultisme comprend l’importance de l’élément caché in plain sight. En véritable coup de théâtre derrière la première image, celle de la première impression, Francis nous ajoute une seconde image, plus large cette fois-ci qui sert de deuxième et troisième de couverture. Cette image, qui n’en est pas moins symbolique mais qui, cette fois-ci, évoque plus de sensations que de réflexions. L’image de l’intérieur, un Gérard qui semble géant avec son petit verre de blanc semble inconfortable à l’idée d’être vu, d’être pris en photo, nous avons à l’intérieur de la pochette un Mammuth plus intime qui a la pêche devant un honneur qu’il ne croit pas mériter. Son bras est aussi levé, en guise de protection. Si l’extérieur de la pochette nous présente avec un buffet réflexif, un assemblage intelligent de symboles à déchiffrer, l’intérieur, comme l’homme, est rempli d’une émotivité touchante et gênée. En ouvrant la pochette, il y a des sourires, des regards fuyants, des véritables camaraderies, des strates que l’on porte pour se protéger, des chips pis de la piquette. C’est aussi un lieu de regard vers l’extérieur car le groupe, regardant le photographe, nous regarde aussi, on sourit à moitié mais on est d’abord et avant tout inconfortable avec l’autre qui vient s’immiscer dans notre quotidien sans invitation. (je clos ici, le festival de la virgule)

Quand à sa thématique, la quête immense et Quichotesque d’un homme qui réclame un peu de cohérence dans son environnement, reçu par plus de chaos et de non-sens à chaque pas qu’il entreprend dans son voyage englobe plusieurs « dadas » de notre cher ours. La défaite de la bureaucratie Kafkaesque, l’inconfort des rapports sociaux (« vous avez quelque chose juste-là ») de Muthafuckin’ LD et le culbutage dans les toilettes publiques sont des archétypes typiquement FrankOuellettiens (à ne par confondre avec la poésie FrankEtiennenienne) et la scène (à la césure) va sans dire si vous avez rencontré l’ours.

C’est avec moult analyse que j’arrive à la conclusion que la maxime « Un bon artiste copie, un grand artiste s’approprie » s’agence parfaitement bien avec le point que je tente de faire ici. Mammuth, malgré qu’elle soit l’œuvre de Benoît Delépine et Gustave Kervern, s’est véritablement fait intériorisé par le dude qui à pensé la pochette. Ce grand artiste de la verve iconographique s’est approprié cet œuvre et à pressé..wait for it…wait for it…la substantifique moelle du récit pour synthétiser les images les plus puissantes du film qui sont aussi un réflexion de l’homme qui en à fait l’agencement. On dit aussi que quand Paul parle de Pierre on fini par en savoir plus sur Paul que sur Pierre, allons voir ici que quand Francis Ouellette conçoit une pochette pour Gérard Depardieu on en comprend plus sur Francis que sur Gérard. L’artiste ici se camoufle habilement, il laisse les symboles crier le nom de leur maître d’orchestre.

PS. Ah oui, y’à aussi la ligne « D’ailleurs…j’ai eu l’idée de faire un CV, avec du papier de toilette et le sang de mes règles ». Je crois foncièrement que Francis aurait voulu l’écrire cette ligne-là.

Notre émission du 7 décembre: ?????

2011-12-10T11:27:00.001-05:00

Notre saison 2011 tire bientôt à sa fin. Avant de terminer avec notre traditionnelle émission de cinéma de Noël, nous avons décidé de faire un échange de cadeau cinéphilique en onde.

Je ne sais pas de quoi Jim va parler, il ne sait pas non plus ce que je vais évoquer. Ce sera une surprise. Chose certaine, nous allons faire découvrir à l'autre un film magnifique dont l'autre n'a jamais même entendu parler et qu'il se doit de connaître. Par le fait même, on vous en fait cadeau à vous aussi, chers auditeurs. Il est quasi impossible que vous ne fassiez pas au moins une découverte.

Cliquez ICI pour nous écouter...

Notre émission du 30 novembre: THE DEAD, dernier film de John Huston.

2011-12-10T11:15:00.000-05:00

Pour nous écouter cette semaine, cliquer sur la photo du bas

Regardez les sillons de ce visage. Ça n'a plus rien à voir avec des rides. C'est un paysage, ce sont des routes creusées par les souvenirs et les larmes. J'aime les visages comme ceux là, aux anfractuosités tellement riches qu'elles exigent une certaine topographie, un visage d'homme d'une autre époque, comme il s'en creuse de moins en moins de nos jours.

John Huston a littéralement tout fait. Du cinéma, il est le pendant de Theodore Roosevelt et de Hemmingway. L'homme a vécu une vie riche et ample, comme plusieurs d'entre nous peuvent seulement en rêver, mais il avait la charpente, l'âme et les épaules pour pouvoir mener sa propre épopée jusqu'au bout.

C'est ce qui rend le dernier film de Huston un trésor inestimable. Filmé alors qu'il était mourant, THE DEAD est le dernier message d'un géant, les braises d'un homme qui a brûlé au maximum ses années. Avant de s'éteindre, Huston plonge dans sa conscience, il parle une dernière fois de ce qu'il a appris et de ses passions: James Joyce, l'Irlande, sa famille, les racines, la terre.

Notre émission cette semaine parle de sa vie et de son dernier film, de l'Irlande et de Joyce, de la pluie et des souvenirs.

Notre émission du 16 novembre: Docteur Jekyll et Mister Hyde-la créature la plus importante de l'histoire du cinéma?

2011-11-29T10:51:00.001-05:00

Cliquer ICI pour écouter notre émission sur le sujet

Vous excuserez la formule pompeuse et péremptoire de notre émission cette semaine. N'en demeure pas moins que la question mérite d'être posée.

Il est tout a fait normal que le cinéma ait fait de Dracula et du monstre de Frankenstein un duo complémentaire. Cela dit, même dans ses incarnations modernes, Dracula reste une glorieuse relique qui n'a que très peu de chose à dire sur son époque. Le monstre de Frankenstein est une figure résolument moderne. La création de Shelley était faite sur mesure pour le cinéma. Le 7ème art n'est-il pas lui même une créature composite et morcelée, longtemps à la recherche de son créateur? Pas surprenant que la première adaptation au cinéma nous provienne d'un autre savant fou et mégalomane, Edison, le "père" du cinéma. (cliquez sur l'image du bas pour écouter notre émission sur le monstre de Frankenstein au cinéma)

Toutes les problématiques de la science moderne sont engoncées dans le monstre de Frankenstein: génétique, éthique des expérimentations, quête d'immortalité, acharnement thérapeutique.

Le 7ème a toujours trouvé que Dr. Jekyll et Myster Hyde faisait pour la psychologie, la psychiatrie et la psychanalyse ce que le monstre de Frankenstein faisait pour la science et la médecine. En fait, Mister Hyde est d'emblée une créature de pure modernité, complémentaire à Frankenstein. Les thèmes parlent d'eux même: toxicomanie, répression des pulsions, meurtres en série, dédoublement de personnalité. Lutte des classes également

Cette semaine, nous faisons un survol personnel de nos adaptations préférées, de la première à la dernière, des grands inconnus. Son évolution a travers les décennies, ses incarnations modernes.

Des origines, avec John Barrymore en 1920...

Jusqu'aux adaptations improbables... Une surprise de taille: un blaxploitation de William Crain, réalisateur de Blacula, intitulé Dr.Black, Mr.Hyde (1976). Savoureuse ironie, le film de Crain, volontairement ou non, remonte aux sources de la nouvelle de Stevenson avec beaucoup plus de pertinences qu'on pourrait ne le croire. Il remonte aux fondements même du cinéma, en empruntant par ailleurs beaucoup à King Kong (Tarantino aura pris ça là, c'est clair!)

Ken Russell: Bye bye black bird!

2011-11-29T09:03:00.001-05:00

Merci, Ken Russell,

Pour les nombreuses leçons de cinéma et de désobéissance que vous nous avez donné. Merci Mr.Russell, pour l'indicible humanité de THE DEVILS, la chaleur d'une scène de lutte dans WOMEN IN LOVE, celle d'une nuit d'orgie dans GOTHIC, pour votre amitié avec Oliver, que j'imagine être le Klaus Kinski de votre Werner Herzog, pour avoir refait la tragédie grecque avec un Pinball machine...

Et surtout, surtout, merci pour les pérégrinations intérieures du Dr.Jessup dans ALTERED STATES.

Oliver vous attend quelque part avec une grosse pinte (que dis-je, une dizaine de stout dont la broue sont des nuages gorgées de tempêtes...

Jim et Francis

Notre émission du 9 novembre: Death bed:the bed that eats-le chef d'oeuvre inconnu

2011-11-13T17:16:00.000-05:00

Cliquez sur le lit en bas pour écouter notre émission cette semaine

Cette semaine, le 7ème antiquaire vous fait visiter la section du lit.

Le lit.

Théâtre à la fois vaste et étouffant de nos plus grandes tragédies, de la naissance à la mort, du plaisir à la souffrance.

Le lit.

Une porte vers l'autre monde, peuplé à la fois d'anges et de démons. L'embarcation, le véhicule. Le mince voile, la large voile dans lequel on se couche et se cache.

Le lit.

Avec ses monstres en dessous, Morphée au milieu et une foule au dessus.

Le lit au cinéma.

Endroit horrible oû les cauchemards prennent vie. La petite Regan Mcneil attachée. Jason Vorhees en dessous. Freddy Krueger dans le matelas. Les portes de l'enfer maculées de Hellraiser.

Espace d'exploration des fantasmes. Le monolithe de 2001, lit de camp de tous le genre humain.

Au cinéma, le lit n'est jamais simplement un lit. C'est encore et toujours le rideau du théâtre des rêves.

Il y a eu beaucoup de lit au cinéma, mais aucun de plus profond que le DEATH BED de George Barry.

Chef-d'oeuvre inconnu d'une surréalisme sans compromis, DEATH BED: THE BED THAT EATS fait avec le lit ce que L'ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD faisait pour la villa. Le film de Barry est sans aucun doute la plus puissante méditation existante sur l'onirisme au cinéma: le montage elliptique et traversé de non-sequitur, la grinçante musique protoindustrielle, le jeu décalé des personnages, les couleurs rappelant le Bergman de CRIES AND WHISPERS.

Mais surtout, ce lit possédé d'un démon qui fut jadis un arbre et une brise, puni d'avoir trop aimé, qui mène une guerre à un esprit enfermé dans une peinture.

DEATH BED et son lit sans fond menant vers un enfer gastrique oû tout est digéré, les rêves, les gens et les aliments.
DEATH BED le chef d'oeuvre oublié d'un artiste consummé par ses propres cauchemars, une Gérard de Nerval de la pellicule.

Notre émission du 2 novembre: Le Suicide au cinéma

2011-11-13T16:03:00.000-05:00

Clique sur la photo avant que le petit mec ne crève pour écouter notre émission.

Cette semaine, comment se tuer au grand écran! Chic alors!

Petit abécédaire des méthodes les plus prisées, des variantes culturelles et autres évocations trucculentes sur le sujet.

Aussi! Une liste des plus beaux suicides du grand écran, méthode par méthode!

Parce que se tuer, au cinéma comme dans la vie, est un art!

Notre émission du 26 octobre-Spécial Halloween:THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW-la totale!

2011-11-13T15:42:00.002-05:00

Cliques sur les lèvres pour écouter notre émission! Allez! Qu'est-ce que tu attends? Tu sais que tu en as envie! Fais le!
Don't dream it...be it!

Let's do the time warp again, shall we?

Pour Halloween, le 7ème antiquaire se fait enfin son émission sur
THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW!

LE FILM-CULTE: Tout ce que vous devez savoir sur sa genèse, ses inspirations et son importance! L'introduction parfaite pour le néophyte!

LE FILM DE CULTE: Comment le film est devenu un phénomène culturel sans précédent! Le cinéma comme outil de célébration et d'euphorie! Les méthodes et les techniques!

LE FILM OCCULTE: Les aspects philosphiques du film, ceux qui vont aux fondements même du renouveau occulte britanique! Le film en tant que pamphlet magicke exhaustif! Même le plus ardents des exégètes y trouvera son compte!

Let's get caught in a celluloid jam!

Mon entrevue avec Doug Bradley: my own personal demon

2011-10-30T19:45:00.005-04:00

(Cette entrevue est initialement parue sur les sites de l'émission LES MYSTÉRIEUX ÉTONNANTS dans le cadre d'une couverture pour le Montréal ComicCon 2011)

Dans quelques minutes, je vais rencontrer un démon qui hante mes cauchemars depuis plus de 18 ans. Doug Bradley. Pinhead, figure impériale de la franchise des HELLRAISER. Je suis terrorisé. Je sais que je vais rencontrer l’acteur, mais je sais aussi que cette créature qui me fascine vit en lui.

Je fais une blague au public pour me détendre: D’une voix grave, j'échappe un “YOU opened the BOX…HE CAME…” Le gens ricanent. Je suis toujours aussi nerveux.

Des années durant, Pinhead m’a suivi de très près dans mes songes. Au début tel un monstre sous le lit, ensuite, comme un totem, un archétype, jusqu’à devenir un démon intime. Je suis, il va sans dire, obsédé par HELLRAISER, Clive Barker et les Cénobites. Les minutes s’étirent. L’attente est déchirante. La porte s’ouvre, il entre.

Sa démarche est reconnaissable entre milles. Elle est souveraine, rien de moins. Un frisson me traverse l’échine. J’entends les notes de carillon de la trame sonore de Christopher Young. Bradley s’assoit. Je regarde son visage qui est traversé de rides profondes qui forment véritablement une grille sur sa tête chauve. En vieillissant, il ressemble de plus en plus au démon qu’il incarne depuis plus de 20 ans.
.

En fait, tout le long de l’entrevue, je serai incapable de dissocier dans mes questions l’acteur et sa création. Malgré moi, je m’adresserai souvent à lui en tant que Pinhead. Ma bouche est pâteuse. Je l’ouvre péniblement. L’entrevue commence. Time to play!

Francis Ouellette : On l’appelle le Prince des larmes et le Pape de l’enfer. Il a incarné un des créations les plus reconnaissables de l’histoire de l’horreur; il la jouera pas moins de 8 fois au cinéma -9 si on inclus le vidéoclip de Motorhead où il fait une apparition...

Mais Pinhead n’est pas un banal slasher ou un autre monstre démoniaque. Il est raffiné, élégant…il a tout le temps du monde. En fait, avec le Dracula de Christopher Lee, il est selon moi une des plus importantes créatures l’histoire du cinéma. À l’instar de ce dernier, il a créé un démon traversé de mélancolie et d’une gravitas proprement shakespearienne.

Il est aussi pour moi un cauchemar privé. Pendant pas moins de 18 ans, j’étais visité dans mes rêves par votre personnage, qui prenait un malin plaisir à me suspendre à ses crochets et à me déchirer la chair de manière inventive à tous les soirs. Pendant des années, j’ai même entretenu des conversations avec lui. Je voulais vous remercier d’avoir été mon démon personnel et de m’avoir donné ces magnifiques cauchemars. (Je le regarde me regarder...

Il a ce demi sourire qu’il prête toujours à son personnage. Je pense que je me suis un peu pissé dessus en le regardant).

Mesdames et messieurs, a demon to some, an angel to others, Doug Bradley, Pinhead en chair et en fer…

Doug Bradley : Continues! J’adore ça. (Sa voix…sa putain de voix magnifique me fait peur)

F.O : Mr. Bradley. Quand je pense à votre personnage, je pense à son omniprésence dans la culture de masse. Pinhead est partout; des films, des comic-books et des figurines. Vous allez même devenir le Boss final dans un jeu vidéo de combat avec tous les grands slashers du cinéma, TERRORDROME!

D.B :Je n’ai jamais été payé pour ça!

F.O : Parce que c’est un jeu fait par des fans!

D .B : Ah les fans! Si ce sont les fans alors…

F.O : Votre personnage est maintenant plus qu’un monstre de film d’horreur…il est devenu un symbole…Quel effet ca vous fait, par exemple dans une convention comme celle ci, de vous voir partout?

D.B : Ce qu’il y a de fascinant avec Pinhead, c’est une perspective qu’a toujours partagé Clive Barker en ce qui concerne notre création, c’est que lorsqu’un personnage devient assez captivant, il prend vie en quelque sorte et échappe à ses créateurs. Il est vital de se dissocier mentalement de l’idée du personnage à ce moment là, qui devient un concept pur. Pinhead fait désormais partie du cauchemar collectif. Il nous a complètement échappé. Il existe par lui même et nous ne faisons désormais que donner chair à un personnage qui a une personnalité propre.
.

F.O : Est-ce que Clive Barker et vous tentiez de donner chair une idée plus profonde et ancienne? Il semble parfois que votre interprétation de Pinhead va aux sources même d’une expérience occulte, comme si vous vous laissiez posséder par quelque chose, un concept, une idée, celle de la Douleur incarnée? (Je suis fébrile en ce moment)
)

D .B : C’est un chose particulière. Pinhead est VOTRE vision de ces concepts. C’est vous qui lui avez attribué ces traits. Je peux le voir ici même au ComicCon de Montreal; il représente quelque chose pour toute une communauté. Les amateurs d’horreur forment collectivement une extraordinaire créature que je côtoie depuis 22 ans. En gardant ce personnage et ce principe bien vivant, il faut être conscient qu’il y a un prix à payer. On ne peut faire ça sans vous parce qu’on le fait pour vous. Donc, voilà…je vous en remercie et je vous aime tous. (Tonnerre d’applaudissements)

F .O: Vous parliez du besoin de se dissocier de son personnage, ce qui est une part cruciale du travail d’acteur. D’un autre coté, Pinhead est un autre type de personnage; il est l’incarnation d’un concept assez puissant, le plaisir et la douleur entremêlée. Vous êtes devenue une icône de la culture populaire, mais aussi une icône de la contre-culture : des gens vous vénèrent au Japon comme si vous étiez un véritable démon. Pour ma part, quand j’étais plus jeune, je ne pouvais pas croire que vous n’existiez pas. C’était comme si vous étiez possédé je vous dis!

D.B : (il me regarde comme si j’étais complètement taré) Oookk…(Silence. Des rires dans la salle) Je…je ne sais absolument pas comment répondre à cette question…parce que tu me demandes COMMENT j’ai fais ce que j’ai fait…peu importe comment j’ai fait ça, il semble que j’ai fais quelque chose correctement (il étouffe un ricanement dans sa gorge)! Durant ta première journée sur un plateau, tu ne sais pas ce qui va se passer; tu prends position et tu espères que ce que tu as visualisé dans ta tête fonctionne….mais en même temps, il y a quelque chose…un peu comme un chanteur qui approche de son micro ou un peintre qui s’approche de sa toile… tu es dans le mystère total. Tu espères que tes idées seront communiquées au public. En bref, si tu me demandes ce qui je faisais quand je jouais Pinhead…je ne sais vraiment pas…(avec intensité)
.

J’ai fait des recherches…qui sont forcément limitées quand on parle des Cénobites, pour être franc! Il n’y pas vraiment d’endroit ou tu peux aller pour les observer au boulot! Du moins, je l’espère. J’ai eu l’avantage de pouvoir être en étroite collaboration avec Clive Barker et d’avoir le type d’indications qu’il est vraiment le seul à pouvoir donner. Je regardais des numéros de la revue Piercing fans international quaterly.
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Ne perdez pas de vue que les modifications corporelles étaient beaucoup plus rares à l’époque qu’elles ne le sont maintenant. Si c’est courant maintenant, ça l’étais moins à l’époque. Cette revue était dédiée à des gens qui appréciaient mutiler et percer , je précise, chaque centimètres disponibles de leur…chair. (Il prend une grande respiration). Tout ce qu’il me restait à faire était de laisser ces images macérées dans ma tête…et lire le scénario encore et encore et encore…parce qu’au final, pour un acteur, il n’y a qu’un immense saut de l’ange à faire (on remarquera que les choix lexicaux de Bradley sont presque inquiétants). Il te reste à espérer que…(il hésite) Vous savez, j’ai travaillé avec Clive pendant 10 ans, et j’ai joué bien avant avec lui au théâtre des personnages qui n’étaient pas si loin de Pinhead ...

J’ai rencontré Clive au Lycée. Nous nous connaissons depuis 40 ans. Je le connais à fond…je sais ce qui…au moment de créer HELLRAISER, je le connaissais depuis 20 ans. Je connaissais à fond le panorama de son imagination.
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En lisant le scénario, je savais tout de suite quelles était les sensations qu’il voulait générées avec Pinhead. Je n’ai eu qu’une seule indication de lui durant la première journée de tournage : C’est bien…mais fais en le moins possible. Je m’adaptais et il me disait « c’est très bien. Ça fonctionne bien. Mais fais en moins! ». Il était satisfait, mais me demandait toujours d’en faire le moins possible. Ce qu’il essayait de faire, c’est de m’aider à m’habituer au maquillage…si je ne fais pas la moindre expression faciale, avec ce maquillage et les yeux noirs…sur un écran gigantesque, pas besoin de plus. Il m’a toujours dit que Pinhead, comme tu en a fais mention tout à l’heure, n’est pas qu’une simple monstre qui chasse et tue ses victimes. Il faut vouloir le rencontrer : il faut trouver la Configuration des lamentations (le Cube qui ouvre les portes de l’enfer dans la mythologie de Hellraiser), réussir le puzzle avec les motivations appropriées et même dans ce cas, Pinhead aime avoir un brin de conversation avec toi avant de déchirer ton âme, de sortir ses chaînes.
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J’ai toujours dit que Pinhead est une image de souffrance reçue les bras ouverts. Étrangement, ca m’a pris beaucoup de temps avant de me rendre compte qu’il y avait un autre endroit où je pouvais aller pour avoir une idée associative d’un homme avec des clous dans la peau…et c’était évidemment Jésus. Mais c’est une idée que je n’avais pas saisie d’entrée de jeu…c’est comme la crucifixion sur le speed!

C’est cette idée de souffrance reçue qui dit tout, comme si Pinhead disait aux gens qui le regardent : Regardez ce que je me suis fais à moi-même ou plutôt regardez ce qu’ils m’ont fait. Ce sont les marques que je porte sur moi pour toujours…Maintenant, imaginez ce que je peux VOUS faire… (à ce moment, je regarde Bradley en retenant mon souffle et en ne clignant pas des yeux…ce qui a pour effet d’embuer mes yeux. Des gens dans la salle devaient penser que je pleurais) C’est cette aura de menace qui le suit partout. Cette aura, je vais la chercher dans ma relation avec le maquillage (impossible de ne pas comprendre avec ses propos la puissance que ce rituel de transformation doit conférer à son interprétation). J’ai un visage très expressif mais Clive me disait toujours que je devais avoir le visage d’un mort. C’est difficile en tant qu’acteur parce que ca nous donne l’impression de simplement réciter nos lignes en restant immobile mais c’est comme ca qu’il fallait le jouer.

F. O : J’ai lu une ligne magnifique à ce propos. Vous évoquez l’idée d’une figure christique C’est ce que vous avez toujours incarné selon moi, un ange pour certain un démon pour d’autre. Vous avez donné une certaine Grâce et une beauté à votre personnage. Ce qui me fait penser à cette ligne que vous avez évoqué voilà quelques années, pensé par Clive Barker…vous tentiez d’attribuer un passé au personnage : avait-il déjà été humain jadis? À l’époque nous ne savions pas que c’était le Capitaine Elliot Spencer qui avait été transformé en Pinhead. La ligne disait « Interprètes le personnage comme s’il lamentait la perte de son humanité"
»

D.B : Oui tout à fait. Quand je me suis retrouvé seul avec le costume pour la première fois, deux décisions furent prises. En fait, regardez sur l’édition spéciale du DVD 20ème anniversaire d’Anchor Bay, l'image de Pinhead du verso… ils ont extirper cette photo, accidentellement, je crois, dans leur infini sagesse, d’une séance de photo préliminaire.
On peut y voir un vilain pli dans le latex de mon cou. Je ne faisais justement pas ce mouvement à la caméra pour que l’on ne voit pas ces plis, ce qui accentuait la démarche et les mouvements particuliers du personnage. Je tournais tout mon corps, mais jamais ma tête. Vous pouvez voir sur cette photo préliminaire que le masque avait des véritables épingles (des pins), ce qui était bien sur photo, mais trop peu visible à la caméra. Ils ont donc décidé de changer ces épingles pour des petits et longs clous, comme on peut les voir dans le film. De plus, Clive considérait que mes jolis yeux bleus atténuais la menace…j’ai donc porté des lentilles de contacts noires à partir de ce moment.

J’ai toujours dis que j’ai trouvé la nature de mon personnage en m’observant dans le miroir avec mon maquillage pendant 20 minutes (bonjour le rituel). Je suis couvert de la tête au pied d’objets étrangers. Évidemment, le maquillage conjure plusieurs impressions mais la plus importante, je trouve, c’est la mélancolie. Je savais pour en avoir parler avec Clive que Pinhead avait été humain mais nous ne savions pas quand à ce moment là…ce pouvait être depuis hier, depuis une semaine, depuis des années, des milliers d’années. La mélancolie provient de ce sentiment. Ce qui explique aussi pourquoi Pinhead est invariablement attiré par l’interaction avec les humains. Il se nourrit ainsi de cette humanité perdue. De là vient sa fascination.

F .O : Cet aspect a d’ailleurs été conservé au delà des films. Il y a une série de comic-book actuellement écrite par Clive Barker. C’est la première fois depuis longtemps qu’il fait l’expansion de sa propre mythologie de quelconque manière. Dans cette série, vous (je me rend compte de mon erreur. Je me reprends et Bradley me remercie d’un léger hochement de tête)… Pinhead tente littéralement de redevenir humain et de trouver un remplaçant à ses fonctions infernales. Pour cette raison, il y a littéralement une tension entre lui et le personnage de Kirsty Cotton, similaire à celle qu’il y a entre Hannibal Lecter et Clarice Starling…
.
D.B : Mais cette tension était là au tout début! J’ai toujours perçu la relation entre les deux comme ça.

F .O : C’était à même le scénario?

D.B : Il suffit de voir le relation malsaine qu’elle a avec son père Larry dans le premier film. Sa relation avec Pinhead en est l’inversion, en tout point. La ligne en leitmotiv Come To daddy est une évocation directe de cette relation. C’est une ligne inconfortable…

F .O : Time to play, également, qui est directement reliée

D.B :So eager to play…

ENSEMBLE : …So reluctant to admit it! (Je frissonne en écrivant ceci)

F .O : (Je ris de joie nerveusement) Nous sommes tellement chanceux en ce moment! Votre personnage…parce qu’il l’est en quelque part, vous avez forcément mis beaucoup de vous en lui…

D .B : J’espère que non…

F .O : Disons le côté sombre de vous-même…il y a un aspect du passé hypothétique du personnage de Pinhead qui ne concerne que vous? Quelque chose qui ne vient pas du tout de Clive Barker et de sa mythologie?

D.B : Pas consciemment. On dit que l’on met un peu de soi dans tous les personnages que l’on interprète et qu’une part d’eux nous habite à jamais, ce qui m’inquiète un peu. Pas consciemment. Mais s’il y a quoi que ce soit qui m’a habité, ce sera probablement le fantôme de mon grand-père. C’était un pasteur baptiste et écossais, d’allégeance fondamentalement calviniste…un vrai mystificateur! J'ai cette vision de lui, quand il marchait vers l’autel dans sa robe noire et je me disais, tout à fait consciemment « Hell! Ça a l’air amusant! J’aimerais faire ça!». Je ne voulais évidemment pas être un pasteur, mais c’est la théâtralité de la chose qui me donnait envie. S’il y a quoi que ce soit que je suis allé chercher dans mes souvenirs, c’est cet élément de pouvoir assumé que se donnent les ecclésiastes et le théâtre de la religion, qui me fascine encore à ce jour. Je suis allé aujourd’hui à votre basilique. Je me décris toujours comme un athée religieux, un athée spirituel. Je rejette en bloc absolument tout de la religion organisée mais je ne peux pas NE PAS entrer dans une bonne église catholique, surtout s’il y a des os de saint à l’intérieur! Votre basilique est à se pâmer! C’est un édifice magnifique où toute la théâtralité de la religion prend son sens.

F .O. Belle ligne, le théâtre de la religion! Ces aspects sont d’ailleurs présents dans l’univers de HELLRAISER, qui est en quelque sorte une inversion des principes chrétiens, une mascarade de syncrétisme… mais ce ne sont pas des démons à proprement parler…

D .B : Non. L’enfer de HELLRAISER est une autre dimension et n’a rien à voir avec l’enfer judéo-chrétien. Il n’y est jamais question de Satan, de Dieu, de damnation ou de Salut. Pinhead a une ligne dans HEllBOUND où il parle à Kirsty qui cherche son père en Enfer et lui explique qu’il est dans son Enfer personnel
.

(à ce moment, on attend le bruit irritant, inapproprié et improbable d’un véritable R2D2 qui passe par là!)

Dans HELLRAISER, nous créons nous même notre propre Enfer et notre Paradis.

F.O : N’aviez vous pas détruit un putain de robot dans…

D .B : (singeant l’impatience ) Est-ce que je me fais interrompre en ce moment pas R2-D2? (rires) (Wow…Pinhead VS R2-D2!!!!!!!)

F.O : Ouais exactement! Et je me souviens de vous avoir vu détruire un robot dans le quatrième film de la série donc…laissez vous aller (il rit)! Je vais vous poser une question de cinéphile un peu pointue…la plupart des gens de ma génération ont découvert récemment le grand film de Ken Russel THE DEVILS.

D.B : C’est son chef d’œuvre. (des applaudissements dans la salle). C’est probablement son seul bon film…Il a fait des merdes, mais THE DEVILS est du travail de génie.

F.O : Je me disais que le film avait du faire un impact considérable en Angleterre?

D.B : Oh oui…en fait, je l’ai vu au cinéma avant qu’il ne soit interdit…

F .O : J’imagine que ce fut probablement le cas aussi pour Clive Barker?

D.B : Oui effectivement…

F .O : Je me suis toujours dis que vous aviez du voir le film ensemble. Était-ce le cas?

D .B : C’est fort probable! Nous allions beaucoup au cinéma ensemble, pour voir des films d’horreur. C’est plus que probable que nous l’ayons vu ensemble.
.

F .O : J’ai toujours trouvé qu’il y avait énormément de ce film dans HELLRAISER et qu’il avait du vous inspirer tous les deux directement. Il y a même un personnage qui s’appelle le Père Mignon qui vous ressemble un peu, qui est comme une sorte de Pinhead avant l’heure; il bouge comme vous et qui aussi les mêmes lignes que vous!
!

D.B : C’est vrai. Avec ce visage long et magnifique. Je ne pense pas que Clive désavouerais l’influence. C’est très certainement le cas, même si je ne veux pas me prononcer pour lui.

Yoann : Est-ce difficile de porter le maquillage durant de longues heures?

D.B : J’ai mes bonnes et mauvaises journées! J’ai une relation amour-haine avec lui. Le rituel de transformation est excitant mais…c’est aussi un labeur. C’est quatre heures de boulot. Performer devant la caméra n’est pas un problème, mais exister toute une journée dans ce costume est aliénant. Étouffant même. Les longues heures d’attentes entre les scènes…c’est mauvais pour les idées et ca joue sur le moral gravement. Tu voudrais simplement l’arracher quelques heures et être toi même. J’ai appris en parlant à Robert Englund (l’interprète de Freddy Krueger) que nous avions le même problème : nous sommes incapables de rester seul dans ce costume mais nous ne pouvons pas non plus être entouré de trop de gens. On devient des nomades pendant les tournages…on erre. On se perd dans nos pensées. Ce qui n’est pas inapproprié pour jouer ce personnage. Gary Tunniclife, celui qui a fait le maquillage des 5 derniers HELLRAISER, sait que j’aime être sur le plateau mais que je disparais soudainement quand le moment du maquillage arrive. Il me connaît bien. L’odeur de latex et de la colle est horrible…le premier jour est toujours difficile et il n’est jamais productif.

F.O : Le maquilleur Gary Tunicliffe a d’ailleurs réalisé un court-métrage où il interprète Pinhead! Ça raconte les derniers jours du personnage dans un futur apocalyptique où il n’y a plus de vie sur terre. Ça devait être étrange de voir votre maquilleur jouer votre
personnage non?

D.B : C’était étrange. Il l’a fait sans jamais m’en parler.

F .O : (Ce n’est pas l’opinion de Tunnicliffe : Bradley aurait refusé de le faire gratuitement). Vous êtes sur que vous n’en avez jamais parlé?

D .B : Un peu disons…mais j’étais une peu fâché contre lui à ce moment là.

F .O : Que pensez vous de son nouveau design pour le personnage?

D.B : (impatient) Encore, je ne sais pas pourquoi il a fait ça! C’est devenu un feu de broussaille ce truc; tout le monde était persuadé que c’était le design du Pinhead qu’on verrait dans le remake…c’est absolument faux. C’était juste Gary qui voulait déconner. Faudrait lui demander pourquoi il a fait ça…

F .O : Pascal Laugier, le fameux réalisateur du film MARTYRS a été quelque temps associé au remake…

D.B : oui mais avant, c’était les deux réalisateurs du film À L’INTÉRIEUR…

F .O : Oui…Alexandre Bustillo et Julien Maury…Vous n’avez jamais été approché par aucun d’entre eux?

D .B : Jamais. 4 ans ont passés depuis l’annonce de ce potentiel remake et personne ne m’a contacté. DIMENSION ne me parle jamais, de même que la longue liste de réalisateurs attribués au projet…(avec gravité) Je suis irrémédiablement opposé à l’idée de tous ces remakes… à quelques exceptions près. Je pense que celui de THE CRAZIES était très bon (vraiment?) et meilleur que l’original. Je viens juste de voir la production de Del Toro, le remake DON’T BE AFRAID OF THE DARK, qui était à l’origine un inquiétant petit téléfilm, mais qui n’étais pas particulièrement bon. C’était plutôt bien. Si vous allez sur mon site web, Doug Bradley.com, vous pouvez trouver un t-shirt donc le design est de ma copine, Steph qui est à ma table. La ligne qu’on peut y lire m’est venue à l’esprit durant une conférence comme celle-ci, autour de la question des remakes. J’ai pris la ligne du film original « No tears please…it’s a waste of good suffering » et j’en ai fait « No remakes please…it’s a waste of good celluloïd! » (applaudissements)

F.O : J’en veux un? Vous en avez ici?

D.B : Non…je n’ai pas pu emmener mon livre non plus parce les douaniers canadiens sont des putes…On ne peut rien apporter dans ce putain de pays! Allez sur mon site…

F .O : J’imagines que vous n’auriez pas été intéressé à jouer dans le fameux crossover entre Michael Myers et Hellraiser qui fut une rumeur pendant des années, le mythique HELLOWEEN?

D.B :Qu’est-ce que te fais dire ça?

F .O : Je conviens que ce n’est pas un remake…

D.B : J’y aurais participé pour deux très bonnes raisons. Des années avant FREDDY VS JASON, il y a eu deux très solides propositions pour un HALLOWEEN-HELLRAISER. DIMENSION a rejeté les deux, considérant de toute manière qu’un film de FREDDY VS JASON se planterait. Il se sont trompés bien sur. Le films est resté en première position au box-office pendant deux semaines. Évidemment, les Weinsteins ont changé d’idée à ce moment là. Les raisons pour lesquelles ce projet m’enthousiasmait, c’est que Carpenter l’aurait réalisé et Clive l’aurait écrit! Tu peux parier ta putain de vie que j’aurais été dans ce film!

F .O : Ces deux mythologies auraient fonctionnées parfaitement ensemble.

D.B :J’ai eu une conversation avec Clive à ce sujet. Il est clair que l’idée d’un combat véritable serait ridicule, mais par contre, le mélange des deux environnements auraient été fascinant. Considérons le fait que Michael est un meurtrier de masse, psychotique, fou et déviant sexuel… il est clair qu’il aurait intéressé Pinhead! Selon moi, un aspect est malheureusement absent dans le remake de Rob Zombie. Il n’y a malheureusement plus rien de surnaturel autour du personnage. HALLOWEEN n’est pas qu’un des meilleurs films d’horreur de tous les temps, c’est une leçon de cinéma. J’ai toujours trouvé que HALLOWEEN fonctionne bien parce qu’il est comme un bon film de DRACULA, où le personnage du Dr. Loomis joué par Donald Pleasance occupe la fonction de Van Helsing. Son énergie à essayer de faire comprendre aux gens le danger qu’il représente est contagieuse. C’est effrayant quand Michael se fait tirer dessus et continus de marcher! C’est une créature surnaturelle. Dans le film de Zombie, il n’est qu’un petit morveux gigantesque avec une attitude et un masque rapiécé. Il ne faisait plus peur du tout. Je voulais le voir crever une fois pour toute tellement il m’ennuyait. Crèves sur le sol, sale mioche! Désolé Rob, je t’adore mais pas ta version de HALLOWEEN.

F.O : Saviez-vous qu’on avait écris un fin alternative de FREDDY VS JASON où vous apparaissiez?

D .B : (il perd patience) Tout le monde me parle toujours de ce truc!

F.O : Mais c’est normal! C’est fascinant!

D.B : C’EST fascinant mais c’était impossible que ca se passe! NEW LINE sont les propriétaires de Freddy et Jason et MIRAMAX, DIMENSION, Les Weinsteins ont les droits de HELLRAISER. Ils ne pouvaient pas faire ça et ils ne l’auraient pas fait.

La raison pour laquelle HELLOWEEN n’a pas vu le jour, ce que Mustapha Akkad, le producteur du premier HALLOWEEN est mort dans une explosion terroriste en Syrie. La famille d’Akkad avaient gardé suffisamment de contrôle sur la production de la franchise pour faire perdurer ses dernières volontés…et il ne voulait absolument pas que ce film existe. Ce qui a totalement tué le projet.

F .O Nous avons du temps pour une dernière question. Nous voulons vous voir encore jouer Pinhead, nous avons BESOIN de vous voir le jouer à nouveau et nous sommes prêts à nous battre s’il le faut. Est-ce que vous voudriez jouer dans des films de fans ou d’autre types de production en marge?

D.B : Nous n’avons pas parlé de HELLRAISER :REVELATIONS hein?. J’imagine que vous connaissez?

(Doug Bradley aperçoit à ce moment là, assis seul sur une chaise, un ourson en peluche blanc déguisé en Pinhead)

D.B : (en le pointant) À qui est cet ourson?

Une Fan : C’est pour vous…je l’ai fais moi même!

D .B : (Il se fait doux). Il est mignon! Merci beaucoup! (long silence inconfortable). J’ai reçu un coup de fil concernant ce film. Quelqu’un c’était rendu compte qu’il était sur la point de perdre les droits de la franchise à DIMENSION. Ils ont donc chié un film au plus vite, écrit et préparé par le maquilleur Gary Tunicliffe. On m’a cité les paroles des Weinsteins à ce propos : « On n’a rien à foutre de ce que vous allez faire, mais faites nous un film en deux semaines avec un budget de 150 000$ ». J’ai lu le scénario et j’ai évidemment refusé. Ces gens là n’avaient rien à faire avec HELLRAISER. Ils ne voulaient que garder les droits. Ca fait maintenant 9 ans que je n’ai pas joué le personnage. J’en ai fait un peu mon deuil. Il faudrait vraiment quelque chose d’intéressant pour me faire remettre le costume. J’ai accepté que le personnage me suive pour le restant de ma vie mais je ne veux plus d’une version édulcorée comme celle de ce film là, où Pinhead apparaît, fait quelque chose de cruel, revient à la fin avec quelques mots d’esprit à saveur Shakespearienne et repart.

Nous avons d’ailleurs avec nous dans la salle un autre Pinhead! Stéphane, le gentleman là-bas dans la salle, est la voix française de Pinhead dans ce film. Je ne l’ai pas vu mais lui si… et il m’assure que c’est de la…

Stéphane : (du tac au tac) Je ne peux parler publiquement du film

D.B : (Bradley est hilare) Ce n’est pas ce que tu m’as dis à ma table!

Stéphane : Je peux vous dire qu’il y a deux Pinhead dans le film, un pseudo-pinhead….

D.B : C’est tellement bizarre. Vous pouvez aller sur YOUTUBE regarder la bande-annonce. On y entend Pinhead dire un truc comme « j’ai hâte de te déchirer en morceaux ». Vous conviendrez que ça manque de je ne sais quoi, comme on dit chez vous! Il a eu droit à 800 000 vues et 94% de gens qui n’aiment pas. Je ne veux rien savoir de ce film et je ne pense pas qu’il me contacterait de toute manièere pour faire le remake. S’ils peuvent faire un remake de NIGHTMARE ON ELM STREET sans Robert Englund, il n’y a plus d’espoir pour moi. Il n’y a pas de Freddy sans Englund et l’idée même de la chose est offensante. Si je regarde ce film un jour, ce sera une version téléchargée gratuitement. Je vais me faire taper sur les doigts en disant ca mais quand je suis sortie du cinéma après avoir vu le remake de HALLOWEEN, j’ai eu cette réflexion « je ne fais pas partie de la solution…je fais partie du problème parce que j’ai acheté un ticket! ». Je leur ai donné mon argent. Il n’y a pas d’autre raison pour l’existence de ces remakes que l’argent. En tant que fan, il est évident que nous voulons voir ces films, un peu comme nous voulons voir la totalité d’un accident de voiture, question de savoir s’il y a du sang sur l’autoroute et des morceaux de cervelles partout. Mais n’allez pas les voir au cinéma…regardez les illégalement de grâce. Ainsi, ils seront forcés de ne plus en faire…

J'ai survécu à la rencontre de mon cauchemar. Peu de temps après l'entrevue, je passe près de la table de Bradley. Je constate que sa très jeune copine doit être dans la vingtaine, début trentaine au maximum. Une jeune fan gothique, un peu comme Kirsty Cotton...so eager to play...

Mon entrevue avec Sid Haig: le goon est triste?

2011-10-30T00:04:00.005-04:00

(Cette entrevue est initialement parue sur le site de l'émission LES MYSTÉRIEUX ÉTONNANTS dans le cadre d'une couverture du ComicCon de Montréal 2011)

Sid Haig se déplace d'un pas lent et pesant, comme s'il avait tout le temps du monde. Les épaules voutées et la tête en avant, avec le regard fixe. Les gens se tassent sur son passage. Même à son âge, le bonhomme est menacant. On devine cependant à sa démarche qu'il a probablement eu quelques accidents et que sa charpente en a vu de toutes les couleurs. Haig s'exprime comme il se déplace; à son rythme. La surprise est de taille lorsqu'on écoute ses propos. Il a beaucoup d'humour, il est chaleureux et, avec un peu d'amertume, il sait bien que son physique de tueur l'a tristement condamné à certains rôles.

Au début, mes questions semblent le laisser froid mais très vite, Haig est surpris de constater que je connais sa carrière. Il répond généreusement à mes questions sur son meilleur ami le réalisateur Jack Hill, ce copieur patenté nommé Francis Ford Coppola, Pam Grier et la blaxploitation, le film culte Spider Baby et son importance, les biscuits fait maison de Sheri Moon Zombie, ses films préférés, Che Guevara, Tarantino et sa folie. Qu'on se le dise: Sid Haig ne supporte pas l'ennui. Il se fait donc un devoir, avec succès, de ne jamais être ennuyant. (à partir d'ici, cliquez sur les noms souligner pour écouter nos émissions complète sur le sujet)

Sid Haig : Salut tout le monde. Content de voir qu’il a des fans d’horreur dans la place!

Francis Ouellette : Bonjour tout le monde. Je suis le co-animateur de l’émission de radio Les Mystérieux étonnants et de l’émission de cinéma le 7ème antiquaire. Ne perdons pas de temps car nous avons avec nous Mr. Sid Haig.
(Haig s’inquiète en m’attendant parler en francais)

Oui Mr. Haig, cette émission sera bel et bien en anglais!

S.H: Bien, parce que sinon, je serais resté assis à t’écouter!

F.O: Mr. Haig, c’est un plaisir de vous avoir avec nous aujourd’hui. Si vous me le permettez, je vais vous introduire à ceux qui ne vous connaissent pas - mais je doute qu’il y en ait beaucoup ici! Pour la plupart d’entre vous, le gentleman ici même est Captain Spaulding, le patriarche de la famille Firefly dans les films de Rob Zombie House of a thousand corpses et The Devil’s rejects, mais également The Haunted world of El Superbeasto, pour ceux qui l’ont vu (c'est une trilogie quand même). Pour d'autres maniaques de cinéma, il est aussi une figure familière dans plusieurs productions de Roger Corman , mais aussi un ami personnel du réalisateur Jack Hill, un des grands initiateurs du genre de la blaxploitation et de la WIP (le sous-genre de la Women in Prison). Il fut aussi, le gardien, le pimp, le chasseur et le bourreau de la sublime Pam Grier.

S.H: Yup.

F.O: J'imagine que ce fut un plaisir de chasser cette femme encore et encore pendant plus de 20 ans à l'écran?

S.H: Ce n’était pas du boulot éreintant, je peux te l’assurer.

F.O: Pendant plus de 40 ans, Haig a été une figure récurrente de l’horreur, de la télévision, il a prêté sa voix à plusieurs productions. Pour ma part, je vous ai vraiment découvert dans le film de Jack Hill Spider Baby or the maddest story ever told et vous.. m’avez…foutrement… EFFRAYÉ dans ce film!!!

S.H: J’étais juste un gros bébé! Allons donc! (il me lance un regard lugubre)

F.O: Vous étiez un gros bébé actif sexuellement! Vous chassiez les femmes dans cette maison étroite…pour moi –vous allez pouvoir me le confirmer- le film a toujours été une manière d’antépisode aux films de Rob Zombie, comme si votre personnage allait devenir un jour le Captain Spaulding.

S.H: Oui. Et Spider Baby était le premier film du genre à parler d’une famille de campagnards cinglés qui tuent et mangent des gens. 11 ans avant Rocky Horror, 13 ans avant Texas chainsaw massacre. Nous étions les premiers de notre genre!

F.O:Vous étiez cannibales! Ils mangeaient bel et bien de la chair humaine!!!

S.H: (au public) Vous savez quoi que ce soit à propos de l’histoire? Cette famille a une maladie qui s’appelle le syndrome Merrye qui fait qu’à mesure qu’ils vieillissent, ils régressent mentalement et physiquement jusqu’au point ou ils deviennent presque des bêtes, donc, on tuaient des gens et les foutaient dans le sous-sol de notre maison pour que le reste des membres de la famille les mangent.

(il fait un petit rire et un regard de maniaque tout à fait convaincant)

F.O: C'était un film horrifique mais aussi très drôle par moment, avec beaucoup d'humour noir. Ce n'était pas seulement un des premiers films à parler de cannibales rednecks qui chassent les gens mais il était un précurseur du vidéoclip de heavy-metal. Il serait probablement possible de refaire le montage de ce film avec du metal sans problèmes!

S.H: En fait, quelqu’un l’a déjà fait…oui…et ca marche. C’est dingue. Je suis dingue.

F.O: Magnifiquement dingue!

S.H: C’est amusant d’être dingue! Vous devriez essayer.

F.O: Est-ce que Rob Zombie vous a déjà dit s’il avait vu Spider Baby et si ça l’avait inspiré?

S.H: Ok. Je vous raconte l’histoire. Comment me suis-je retrouvé dans House of thousand corpses? On me dit de me rendre dans un édifice, je signe un contrat, on me donne un scénario, on me dit de rentrer chez moi et de le lire et que si j’aime ça, le rôle est pour moi tout de suite. C’est beaucoup plus tard au mariage de Rob Zombie, alors que je parlais à son frère, que j'apprend un truc. Le frère de Rob me dit "C’est étrange!" Je lui demande "Quoi? Le mariage de ton frère?". "Non…être là devant vous à vous parler"'

"De quoi parles-tu?"

"Quand Rob et moi étions petit, on se levait tout les samedis matins et on regardait Jason of Star command à la télé et tu nous donnais une frousse pas possible".(Dans cette émission de télé à la Star Wars, Haig jouait le cruel Dragos, maître de l'univers auto-proclamé)

Il s'avère donc que j’ai été dans la vie de Rob depuis qu'il a neuf ans. Il a suivi ma carrière tout ce temps et le jour où il m’a donné mon prix pour l’ensemble de ma carrière, mon Eyegor, il m’a confirmé que toute sa vie, il voulait devenir réalisateur et faire un film avec moi. C’est de là que tout part...

F.O: Puisqu’on parle de Zombie, nous allons devoir parler de Tarantino également, puisqu’il fait en quelque sorte partie de son nouveau clan. Tarantino s’est déjà fait poser la question à savoir qui était les trois plus grands réalisateurs de tous les temps et il a répondu trois fois Jack Hill! Il est obsédé par ce réalisateur.

S.H: Ouais..et il a dit ça d’ailleurs au Daily show de Jon Stewart... et Stewart a demandé qui était Jack Hill (rires)! Tarantino n’a pas cessé de le gronder durant les 5 minutes suivantes de l'entrevue parce qu’il ne le savait pas qui c'était! Voilà. Jack est vraiment chouette. (Haig prend soudain de l’expansion) Jack Hill a fait ses études en cinéma au UCLA en même temps que Francis Ford Coppola. Jack Hill était un meilleur réalisateur. Coppola était un meilleur homme d’affaire. Il savait mieux faire sa promotion. C’est ça la différence entre les deux hommes.

F.O: Drôle que vous parliez de ça, parce que dans le premier film que vous avez fait avec Jack Hill (le court métrage THE HOST 1960) la dernière partie ressemble à s’y méprendre à la finale d'Apocalypse now? On dirait que Coppola l’a copiée…

S.H: (Son visage se fait dur) C’était le cas. C’était totalement le cas. Francis n’a jamais voulu l’admettre mais son épouse l'a confirmé! Il cherchait une finale appropriée pour Apocalypse now et il s’est rappelé le film que j'avais fait avec Jack et s’est dit '"voilà, je vais finir mon film exactement comme ça!" C’est ici que vous l'avez attendu en premier les amis!

F.O: Jack Hill était Tarantino avant même que Tarantino ne devienne Tarantino, mais en tant que cinéphile, il est évident que ce dernier a vu tous les grands films de blaxploitation dans lesquels vous avez joué, Foxy Brown et Coffy, où vous interprétez des effrayants gangsters et des pimps inoubliables…sérieusement, vous avez incarné des pimps mémorables!

S.H: (il rit) Je devrais peut-être me ré-orienter!

F.O: Tarantino avait donc eu la brillante idée de vous donner le rôle du juge de Pam Grier dans JACKIE BROWN, en hommage à tous vos rôles avec elle...

S.H: Oui…un jour je recois un coup de fil de Tarantino...je ne sais pas comment il a eu mon numéro de téléphone mais j’imagine que lorsque tu te nommes Tarantino, tu as des connexions à la CIA!-Il me dit : « je sais que tu n’es plus intéressé à jouer les balourds dangereux mais je t’ai écris un rôle et tu va le jouer et c’est tout!" J’ai donc obéis!

F.O: Je dois vous poser la question à l’instant. J’ai toujours voulu vous voir dans un véritable western, un western classique…vous jouiez un personnage appellez Django dans BLACK MAMA, WHITE MAMA

S.H: Il était dingue ce personnage!

F.O: C’était un révolutionnaire dangereux, une sorte de méchant Che Guevara…

S.H: ...mais il était drôle! Je mets de l’humour dans tout ce que je fais. Je vais t’expliquer la formule et gâcher toutes tes attentes mon pote : si tu parviens à faire rire quelqu’un, tu peux lui faire vivre n’importe quelle émotion par la suite. Le rire ouvre les gens et c’est à ce moment là qu’il faut leur rentrer dedans avec un camion...WHAM. (Rires dans la salle)

F.O: C’était ça la recette de Captain Spaulding hein?

S.H: Yup.

F.O: Un petit rire et ensuite, il tuait quelqu’un?

S.H: Dans ma scène avec les deux gars dans mon magasin dans HOUSE..., c’est précisément ce que je fais... je les pousse à bout et je les fais rire tout de suite après et ensuite, je les massacre.

F.O: Il faut que je vous demande …allez vous être dans le DJANGO de Tarantino?

S.H: Je devrais non? Personne ne m'en a parlé encore.

F.O: Faut insister svp!

S.H: Je m’excuse. Je vais l'appeler de ce pas! Ok c'est fait!

F.O: Une question à propos de la chimie que vous aviez à l’écran avec Pam Grier. Certaines de ces scènes étaient assez violentes. Vous êtes un homme imposant : comment ca c’est passé avec elle à ce niveau là? Êtes-vous devenus des amis par la suite?

S.H : Nous sommes de grands…(il hésite et sourit) tu sais, quand tu passes ta journée à tripoter quelqu’un, t'as pas le choix de le devenir! J'ai rencontré Pam dans le film The Big doll house.....

...un film de femmes en prison, évidemment. Pour moi, faire un film comme celui là aux Philippines, c’était le rêve de tout homme. Il y avait toujours 9 femmes nues sous cette chaleur…avec moi! (rires) Fallait que quelqu’un le fasse! Nous sommes forcément devenus des bons amis. Elle est comme ma petite sœur.

F.O: Êtes vous encore amis avec Jack Hill?

S.H: Mais oui! On se parle tout le temps!

F.O: Y’a t'il des chances qu’on vous voit à nouveau dans un film réalisé par lui?

S.H: (sardonique)Jack écrit aujourd’hui des comédies romantiques…

F.O: Huh? Le gars qui a révolutionné la blaxploitation et les Films de femmes en prison écrit des comédies romantique?

S.H: Faut bien évoluer! (rires)

F.O: Quel est le réalisateur avec lequel vous avez préféré travailler? Est-ce Jack Hill?

S.H : « Préféré » est un terme large…il y a les amis avec lesquelles j’ai aimé collaborer et les professionnels consumés...Jack Hill m'a gardé en vie durant les années 70 et 80. C’est un fait. D’un certain point de vue, c’est lui mon préféré. Tarantino est un de mes préférés parce qu’il est un cinéphile maniaque. Quand j'ai fais Jackie Brown avec lui, il a passé la journée à citer par cœur toutes les lignes de tous les films dans lesquels j'avais joué! Et Rob Zombie pour m'avoir donner une seconde vie…parce que j’avais laissé tomber. En 1992, je me suis dit « si personne ne me donne d’autre rôle que celui de pointer un fusil, je me retire… ». Quentin m’a fait revenir pour Jackie Brown mais ca n’a rien changé. C’est à Rob que je le dois. C’est à cause de lui que je suis ici, à Toronto et Calgary et San Diego. Je lui suis très reconnaissant. En ce qui concerne les réalisateurs avec une perspective artistique et à l'écoute de leurs acteurs, j’en connais deux qui vont dans cette catégorie, trois en fait : Jack Hill…Rob Zombie…et Richard Fleischer. Fleischer a gagné un Oscar pour Doctor Dolittle, l’original, qui est un grand film. J'ai joué dans un de ses films avec Omar Shariff intitulé CHE!

À la fin de ce film, Che Guevara se décompose à vue d'oeil. J’y jouais un jeune révolutionnaire qui considère Che comme son frère et qui le voit tranquillement devenir un monstre. Nous y avons une dernière rencontre. Che est couché dans un hamac et ses problèmes d’asthmes empirent. J’étais à vingt pieds d’Omar Sharif pendant cette scène. Je suis inconfortable, Sharif me demande ce qui ne va pas. Je lui répond que mon personnage voit quelqu’un qu'il considère comme son frère en souffrance, qu'il me semble que la distance entre nous ne fait pas de sens et que nous devrions nous rapprocher. Omar a proposé l’idée de changer la scène à Fleischer- il savait que Fleischer n’y tiendrait pas compte si ça venait de moi, un jeunôt. Omar lui propose l’idée de nous rapprocher et Fleischer acquiesce en disant « Eh ben! On reçoit des nouvelles leçons tous les jours! ». Ça prend de l’humilité de la part d’un réalisateur de cette trempe pour faire, ce qui prouve sa qualité. Mais je ne voulais pas vous emmerdez avec cette histoire…

F.O: Non, non, c’était une histoire magnifique. Une toute nouvelle génération se familiarise avec vos films. Il y a peu de temps de ça, trop peu de gens respectaient les films de genres, de Hill et Corman, la blaxploitation ...Cette nouvelle génération traite ça avec révérence et en considérant la pertinence sociale. Même les films de Femmes en prison véhiculent parfois des idéologies féministes…

S.H: Oh oui! Et quand nous faisions ces films, c’était évident pour moi que ça pouvait être interessant pour les femmes -et les hommes…comment ne pas être interressé par ses visions de femmes magnifiques sous la douche? C’est vrai que les gens et les critiques faisaient la gueule aux genres à l’époque. En fait, quand House of a thousand corpses est sorti, les critiques l’ont massacré…ils ont tous changé d’opinion quand le film est devenu populaire. Rob se disait : Ah Voilà! Maintenant que nous avons fait 37 millions, nous avons droit à des critiques positives!" Les critiques de cinéma de comprennent pas les films d’horreur. C'est probablement la raison pour laquelle il n’y a jamais eu de film d’horreur nominé aux Oscars. C’est aussi pourquoi les studio Universal, qui fut jadis la maison de l'horreur, ont créé leur propre cérémonie, les prix Eyegor, pour célébrer les créateurs du milieu de l’horreur.

L'an dernier, j’y ai reçu un prix pour l’ensemble de ma carrière de la main de Rob (applaudissements). Ce fut mon plaisir, je peux vous l’assurer.

F.O: Et vous n’avez pas arrêter de travailler depuis que Rob Zombie a fait ses films. Je dois le dire : dans Devil's rejects, vos personnages étaient absolument terribles et amoraux, mais à la fin du film, je me souviens que plusieurs personnes pleuraient dans le cinéma quand même. Votre mort était épique.

SH: Suffit de cracher un peu de sang et de s’évanouir!

Une question du caméraman, nul autre que Yoann-Karl Whissel, co-animateur des Mystérieux étonnants et réalisateur dans le collectif Road kill Superstar, un vrai fan :

Yoann: J’ai pleuré aussi quand vous êtes mort! Qu’est-ce qui rendait votre personnage si fascinant? Il était un peu moins monstrueux que les autres non?

S.H: Il était fascinant parce qu’il était honnête. Il ne se laisse pas emmerder et se faisait sa propre justice. C’est mon travail en tant qu’acteur d'inventer un être humain crédible à l’écran et d'en considérer les multiples facettes. Je suis certain qu'Al Capone pouvait faire rire sa bande avant de tuer une vingtaine de personnes contre un mur! Chacun d’entre nous dans cette salle sont des monstres et des gens magnifiques. L’acteur va chercher ces contradictions en lui-même.

Une question du public :

J’ai entendu que vous deviez être dans PULP FICTION?

S.H: Une des erreurs les plus stupides de ma vie. Tarantino voulait que je joue Marcellus Wallace. Je voulais le jouer. Tarantino me complimente après mon audition et me dit qu’il est fan. Il me dit de regarder autour de moi. Partout dans son bureau, il y a des grandes photos de moi. Je lui en signe une. Plus tard, je parle à mon agent pour lui faire comprendre que je ne veux plus faire de tournage sous pression et dans le stress. L’offre pour Pulp FICTION ne m’accordait qu'une seule journée de tournage. Je trouvais ça irritant: tourner en une seule journée est compliqué, il faut se déplacer constamment et travailler comme un dingue. On ne réalise rien de bon dans ce temps là. Je ne voulais plus faire ça. Personne n’avait penser à me faire savoir que Tarantino ne travaillait pas comme ca. Je ne le savais pas. Depuis, je n’ai jamais eu de gros rôles dans un de ses films et je le regrette.

F.O: C’était plus amusant de voir Ving Rhames se faire violer non? Je n’aurais pas pu supporter de vous voir vous faire violer...

S.H: (il est hésitant et perplexe) euhh…j’imagine que c’est effectivement mieux de le voir lui que de me voir moi…mais ça fait partie du boulot!

F.O: Mais Tarantino a quand même insisté par la suite pour que vous faire jouer le juge de Jackie Brown par la suite. Ca n’a malheureusement pas redémarré votre carrière vous disiez ?

S.H: Non c’est vraiment grâce à Rob. Laissez moi vous dire une chose: Rob Zombie est un être humain magnifique. Je suis conscient que lorsqu’on le voit, on se dit tout de suite "Bordel ! Je ne laisserais pas ce gars là approcher ma fille!". En 2000, quelques jours avant Noël, j’ai eu un terrible accident de voiture: Sternum fracassé, traumatisme cranien, le sang me sortait des oreilles et blah blah blah. Nous devions à ce moment là filmer des scènes supplémentaires pour House... Quand je suis arrivé à l’hôpital , je me suis dis que ce serait raisonnable de ma part d’expliquer à Rob que je ne pourrais pas filmer pour quelque temps. Ce que j'ai fais. Pas de problème. Quelques jours plus tard, Rob me téléphone pour me demander ce qui est advenue de ma voiture. "Ma voiture se lêche elle même le cul en ce moment Rob". Les assurances faisaient chiées et je n’avais plus de voiture. Rob me dit alors qu’il m'en achetera une. Je lui dit que je le rembourserai. Il me dit "Sid…c’est qu’une voiture. Ta gueule…".Quelques jours plus tard, il cogne à ma porte avec son épouse Sheri Moon qui tient un panier bourré de ses biscuit maison, de pots de confitures et de soupes. Je suis atterré. "On va pas te laisser crever de faim ok!" Et Rob me donne les clés de ma nouvelle voiture.

F.O: Vous l’avez entendu ici les amis! Les Zombies font des biscuits maison!

Un question insipide du public sur la marque de sa voiture. Une autre, pertinente, sur ses prochains films.

S.H: J'ai tourné un film ici au Canada qui s’intitule CREATURE. J’ai un film qui commence bientôt au Blue Water film festival et deux autre qui s’en viennent , ZOMBEX et THE INFLICTION, où je joue un psychiatre…(rires instantanés). Yup. C’est très important pour moi. J’ai été cantonné à jouer les gangsters et des maniaques de film d’horreur assez longtemps. THE INFLICTION est un film d'horreur mais je joue un véritable psychiatre qui veut aider une jeune fille.

Question du public

Est-ce que vous serrez dans le prochain projet de Rob Zombie?

S.H: Je ne sais pas. Nous avons pas mal parlé. Rien d’officiel encore mais nous parlons.

F.O : Une autre question. Dans SPIDER BABY on retrouvait un fort sentiment familial. Même chose avec Texas chainsaw massacre et dans les films de Rob Zombie aussi, où Bill Moseley est un peu lui au final. Êtes vous devenu une figure paternelle pour lui?

S.H : Je ne sais pas…j’ai assez d'enfants comme ca (un rire narquois)

F.O : Vous en avez eu avec Pam Grier.

S.H : Quoi? Euh...non.

Un commentaire du public. Quelqu’un s’excuse auprès de Sid. Il semble que Doug Bradley et Sid avaient demandé à ces gens de la convention un bon endroit où manger le soir d'avant, mais que ces derniers ne savaient pas et cherchaient également. Ils ont trouvé seul finalement. Où ont-ils mangé, l'histoire ne nous le dira pas. Mais imaginez: Captain Spaulding et Pinhead en train de manger du St-Hubert!!!!! Creepy.

F.O : Parlez nous un peu de ZOMBEX?

S.H :Non je ne peux pas. Je ne sais rien du film. Je peux vous dire que j'y joue avec Malcolm McDowell.

F.O : C’est bien pour ca qe je vous pose la question…lui est vous ensemble…ca me donne mal à la tête…

S.H : Mcdowell joue un docteur-scientifique qui fait des expérimentations inappropriées sur les gens et je suis le commandant d’un bataillon militaire spécial, un vrai dur à cuire…. j’ai appris récemment que c’était une comédie musicale!!!!

F.O: Huh? Oookkkk. Quand vous avez commencer votre carrière, vous n'aviez pas prévu le DVD évidemment, qui permet d’intéressantes expérimentations. Je ne sais pas si des gens se souvienne du menu du DVD de HOUSE...où on peut voir Haig, hurler, s’adresser au spectateur en lui disant de commencer le putain de film! C’est effrayant!

S.H: J'ai entendu dire que des gens mettent le menu de DVD en loop durant des fêtes…il le laisse tourner toute la nuit…C’est fou! Bien plus fou que moi…

F.O: J'ai travaillé jadis dans un club vidéo et nous avons fait ça pendant une semaine…pas des farces! Les clients devenaient dingues.

S.H: T’es malade! C'était une des premières fois que quelqu’un utilisait le personnage du film comme élément interactif du menu!

YOANN : Comment vous préparez vous pour un rôle?

S.H: Je ne fais pas grand-chose! (il rit). Comme je vous disais tout à l’heure, je suis dingue. Je m’ouvre et je laisse tout sortir. SPIDER BABY avait été difficile parce que je n’avais aucun référence. Je suis allé au zoo pour regarder les singes et les imiter. Je regardais des enfants jouer dans un parc. (Tout ce que Sid Haig vient dire à ce moment là déclenche des images effrayantes dans ma psychée)

F.O: Je somme tout le monde de regarder SPIDER BABY d'ailleurs!

S.H: C'est un film magnifique. Nous l’avons fait en 1964, avant même que vos parents soient nés et tous les cinq ans, les gens semblent redécouvrir ce film. En fait, un des seuls endroits où il a été longtemps disponible, c’est ici, au Canada. Des copies VHS trafiquées! C’était 120 $ le VHS.

Question du public :

Y’a-t-il un type de rôle que vous n’avez pas fait et qui vous intéresse?

S.H: Oh oui…plusieurs…j’aimerais jouer un policier. Je pourrais être un flic pur et dur. J’aimerais jouer un prêtre. Jouer dans une comédie romantique…

F.O: Jack Hill en écrit en ce moment!!! (rires)

S.H: C’est le seul genre que je n’ai jamais fait! Pourtant, je suis un grand romantique. Tu devrais me voir pendant la Saint-Valentin!

F.O : Quel est ton film préféré?

S.H : Lawrence of Arabia. Mon film d'horreur préféré est HOUSE OF WAX. Je l’ai vu au cinéma en 3d et j'ai eu la peur de ma vie! C’était un des plus importants films en 3-D de l’époque. Les mannequins se lançaient sur toi! J’y était avec mon père qui m’a tout de suite dit que ca lui rappelait THE JAZZ SINGER (le premier film parlant). Les gens était effrayé par la voix d'Al Johnson !

Mon deuxième film d’horreur préféré est CUJO. Pensez-y un moment: c'est effrayant, un Saint-Bernard de 200 livres qui veut bouffer ta voiture!

F.O: Une question cruelle. Tout ce que vous avez fait est brûlé par une foule de maniaques et vous ne pouvez sauver non pas un seul film mais une seule scène...Laquelle? Une seule scène où vous avez mis tout votre cœur et votre talent…

S.H : (Il réfléchit longuement. Un peu ému) Je pense que ce serait la scène avec Omar Sharif dans CHE!

F.O: Justement…vous avez joué pas mal de personnage arabes non?

S.H: J'ai joué toutes les nationalités imaginables. Quand nous faisions COFFY, un des techniciens noirs s’est approché de moi pour me dire ceci « Si tu dis à quiconque que je t’ai posé cette question, je vais le nier, te traiter de menteur et te botter le cul par la suite mais il faut que je saches…es-tu noir?". Je lui ai répondu « À l’intérieur mon frère! Juste à l’intérieur! J’ai même joué des Suédois!!! Je fais le profil non?

F.O: Vous avez aussi travaillé avec un autre réalisateur intéressant, Eddy Romero, un autre nom associé avec les Women in prison? Il est moins connu que Jack Hill cependant. Parlez nous de lui...

S.H: C’était quelqu’un de particulièrement intelligent. Très méthodique. Un grand technicien et un homme généreux. J’ai tellement fait de film avec aux Phillipines durant cette période; je terminais un film et on en commencait tout de suite un autre, BLACK MAMA WHITE MAMA...

Les gens du studio étaient pingres et ils considéraient que c’était une bonne idée de me garder là-bas entre les deux productions. Cinq semaine se passent et j'y suis encore. Les producteurs ne savent pas trop qui sera dans le film. Je leur ai tout de suite dit «C’est évident! Vous allez le demander à Pam Grier et une autre fille, probablement une blonde. Est-ce qu’on va faire un putain de film? Je m'emmerde ici". Durant cette période, je mangeais souvent au restaurant avec Romero et il payait toujours. Un jour, je lui dit que c’est mon tour de l’inviter. Nous allons au Manilla Press club. On mange bien, on parle philosophie, politique et religion. Le gars connaît tout. À la fin du repas je lui demande où payer et il me répond « Je suis membre du club. Je ne paye pas ici! » C’était Eddy Romero. Un bon gars et un bon réalisateur.

Filmer à l’étranger était assez primitif. Nous étions tout le temps dans la jungle et j’y ai tourné quatre ans avant que l’invention de la toilette chimique ne se fasse! Avant, c’était le buisson. Les actrices n’en revenaient pas. Un jour, j'ai dis à l'une d’elle « Tu es dans la jungle! Tu es tellement sans conséquences ici…tout ce qui vit ici peut te tuer et le fera sans hésitation, donc, fais tout avec prudence et respect. » Je lui demande de lever une feuille et de regarder en dessous. Il y avait une colonie d’insectes qui y vivaient. Je lui ai expliqué qu’il en était ainsi pour tous les centimètres carrés de la jungle et qu’il fallait constamment être aux aguets et aller dans les buissons avec quelqu’un. J’adorais filmer là-bas! Quand je suis retourné à Los Angeles après avoir vécu dans cet atmosphère raréfié, je pouvais littéralement sentir le smog me brûler la peau et les poumons. Aux Philippines, pour passer le temps, je me faisais faire des costumes sur mesure tous les jours par la costumière. Je tournais un truc qui s’appelait Wonder Women et quand la designer n’était pas là, je créais mes propres costumes. J’adorais ça! Ils ont même télévisé un show de mode où il y avait mes créations! Je fais toujours des trucs comme ça quand je m'ennuis! J’étais à une convention à Phoenix, le pire endroit pour une convention de film d’horreur, dans un hôtel Marriot 5 étoiles. Hôtel de luxe et film d’horreur, mauvaise idée. Il n’y a pas eu 300 personnes à cet événement. Je m'emmerdais. Jusqu'à ce que je vois dans un des lobbies un Chihuahua en peluche, que je veux acheter à son propriétaire et qu’il m’échange contre un autographe. Je me suis promené avec ce Chihuahua autour du mollet toute la fin de semaine, en faisant des sons de gémissements! Faut pas me laisser m’ennuyer…

F.O: Monsieur Haig, merci de votre temps.

Quelques minutes après l'entrevue, Sid Haig vient me voir à ma table. Encore sa démarche lente et les gens qui se tassent de son chemin. Il vient me serrer la main. Il me fait un grand sourire. "Tu as fait une très bonne entrevue mon gars...très bonne. J'ai eu du bon temps. Tu avais fait tes devoirs en tout cas, c'est évident!" "J'ai simplement vu vos films Mr.Haig". Il me fait une claque sur l'épaule et repart aussi lentement.

-FRANCIS OUELLETTE

FNC '11: le mot de la fin, VOLCANO, TAKE SHELTER, PLAY ET SNOWTOWN

2011-10-26T02:27:00.003-04:00

Quelques jours pour décanter la massive surdose de stimulis offerte par le FNC cette année, exceptionnelle à bien des égards. Sur mes 16 films visionnés, le 7ème n'aura pu pondre que 6 critiques, dont 4 s'adressent aux plus importants films découverts au Festival: SHAME de Steve McQueen, LOS ULTIMOS CRISTEROS de Matias Meyer, HORS SATAN de Bruno Dumont et GUILTY OF ROMANCE de Sion Sono (cliquer sur les liens pour lire les critiques).

Un dernier survol des autres grandes découvertes avant de quitter...

VOLCANO de Runar Runarsson- La mémoire et la mer

Pas surprenant que ce film remporte la Louve d'or du FNC. L'éventail d'émotions riches et contradictoires qu'il est capable de générer évoque sans peine les grands Bergman et Kurosawa. On est bel et bien dans les mêmes eaux que celles de FRAISES SAUVAGES et de IKIRU.

Hannes est un islandais renfrogné et cynique qui commence les premiers jours de sa retraite. Ses liens avec sa famille sont tendus et ses journées sont ennuyantes. Entre son vieux bateau, sa clope occasionelle et sa pauvre femme qui ne sait plus comment le prendre, Hannes ne sait pas trop à quoi ressemblera le reste de sa vie. Alors que son coeur commence à peine à se réveiller à la vie, celui de son épouse s'arrête quelques secondes. Elle restera paralysée. Hannes considère qu'il est de son devoir de s'occuper d'elle à la maison, ne serait-ce que pour s'amender de plusieurs années de mauvais traitement. Mais sa famille ne le voit pas du même oeil...

Quand il est question de larmes et de serrements de coeur,en ce qui me concerne, les Scandinaves n'ont pas leur pareil. Il faut que je fasse le jeu de mot; VOLCANO est un film sur l'éruption, celles que l'on contient en soi et qui détruisent. Ces éruptions de vie et de bonté aussi, qui nous prennent parfois -dont un morceau d'anthologie vu dans le film, une inoubliable scène d'amour entre Hannes et son épouse. Une des grandes forces du film, c'est évidemment son interprète principal, Theodor Juliusson. Avec son physique de viking bourru et sa mine patibulaire, Juliusson semble toujours sur le point d'exploser. Il pourrait avoir ces mots de Beckett tatoués sur les biceps "Mes meilleures années sont peut-être derrière moi... mais je ne veux pas revenir en arrière. Pas avec le feu qui brûle en moi maintenant." Rien de plus troublant que de voir ce vieux guerrier apprendre douloureusement la tendresse auprès de sa femme catatonique (d'emblée lorsque cette femme est le sosie vivant de Janette Bertrand). Dans VOLCANO, il y a la grande mélancolie d'une vie qu'il a fallu laisser derrière, un quotidien aux larges des îles qu'il a fallu abandonné et un homme qui doit réapprendre à vivre en se rapprochant de la mort.

En regardant VOLCANO, j'entendais des passages LA MÉMOIRE ET LA MER de Leo Ferré, dont le film de RUNARSSON est le lointain cousin; Reviens fille verte des fjords, reviens violon des violonades, dans le port fanfarent les cors, pour le retour des camarades...

Je lance tout de suite la supposition dans l'éther; VOLCANO sera retenu aux Oscars et si c'est le cas, il gagnera.

TAKE SHELTER de Jeff Nichols- La dernière tentation de Curtis

Une famille américaine tout ce qu'il y a de plus classique. Le père, Curtis est ouvrier, la mère est femme au foyer, leur petite fille est mignonne et sourde. Ils vont à l'église le dimanche et mangent du pain de viande. Une véritable crèche de sapin de Noel, style americana. Depuis quelques temps, Curtis s'inquiète de phénomènes atmosphériques qui lui semblent anormaux. Pluies gluantes et brunes, étranges formations de nuages et comportement erratique des oiseaux. Curtis s'inquiète pour sa famille; même ses rêves sont maintenant traversés d'inquiétantes visions. Sa famille s'inquiète pour lui; il est le seul à voir ces phénomènes. Et quand Curtis se met à construire fiévreusement un abri contre une catastrophe qui n'est imminente que pour lui, sa vie change drastiquement..

Deux lignes qui reviennent souvent à propos de TAKE SHELTER, c'est qu'il emprunte à Malick et que Michael Shannon est le nouveau Christopher Walken.

Pour ma part, tant qu'à grapiller dans les hautes sphères de la référence, TAKE SHELTER est un drame psychologique à ranger entre deux de mes films préférés, JACOB'S LADDER et THE LAST WAVE. Du premier, il partage les angoisses existentielles, la paranoia et le sous-texte gnostique. On y trouve aussi un comédien immense jouant un personnage en chute libre et incertain de ses propres visions. TAKE SHELTER devient un peu le pendant champêtre de JACOB'S LADDER oû le protagoniste ne cherche pas le salut de son âme, mais la survie de sa famille .

De LAST WAVE, il partage l'ambiance, les visions apocalyptiques et un rythme allant en crescendo vers l'inéluctable révélation qui n'est pas celle que l'on croit..

Au delà des références, TAKE SHELTER reste un drame psychologique d'une efficacité troublante.. Est-ce que Curtis est fou ou est-il un prophète? La réponse à cette question devient vite accessoire. Qu'il soit un chamane sensible aux changements de la terre ou un schizophrène, Curtis souffre profondément de ces visions et perd tranquillement la confiance de ses proches. Là est le drame. Il est familial et la famille, c'est évidemment les États-unis au grand complet, avec ses angoisses des dernières décennies. TAKE SHELTER n'est cependant pas du tout un film apocalyptique. Et oui, Shanon rappelle les belles années de Walken, mais son registre de jeu est infiniment plus diversifié.

Jeff Nichols a réussi à faire un classique instantané, un film qui aurait pu se faire à n'importe qu'elle époque sans qu'on y apporte le moindre changement. Un phénomène en soi; c'est son deuxième film. Mais c'est aussi sa deuxième collaboration avec un acteur trop peu célébré et en voie de connaître sa consécration. Michael Shannon retrouve ici ce registre de jeu tout en folie et en vulnérabilité qui l'a fait remarquer dans le BUG de Friedkin (rappelons que Shannon avait précédemment interprété ce personnage plusieurs fois au théatre). Sans aucun cabotinage, Shannon incarne l'angoisse de son personnage en lui conférant des dimensions sartriennes.

Nichols a déjà la trempe d'un auteur. C'est son prochain film avec Shannon, intitulé MUD, qui nous confirmera s'il l'est ou pas.

PLAY de Ruben Östlund- Funny games! pour les 8 à 15 ans

Avec des plans-séquences évoquant souvent de simples caméras de surveillance, Ostlund nous fait suivre un petit gang de jeunes immigrants africains qui s'adonnent avec une inventivité hors du commun au taxage de jeunes bourgeois. Il n'est pas seulement question pour la bande de dépouiller leurs victimes, mais d'exercer sur elles un niveau de domination psychologique et de manipulation digne des plus grands arnaqueurs. Pour eux, c'est un simple jeu. Un jeu qu'ils pousseront au paroxysme en choisissant parcimonieusement trois jeunes victimes qu'ils dépouilleront de tout, vêtement, argent et amour propre. Le tout avec une caméra qui ne recule devant aucune proximité, renchérissant la tension et l'inconfort.

Il n'y a pas vraiment de violence physique dans PLAY. C'est à un niveau autrement plus insidieux que la cruauté se joue. L'intelligence des jeunes de la bande est grande et leur mesquinerie, née d'une relative indifférence, l'est tout autant. En l'espace d'une journée, ils soumettront les jeunes garcons à une série d'humiliations plus inventives les unes que les autres. Les adultes sont évidemment absents et quand ils y sont, ils ont eux aussi peur de la jeune bande. Haneke qui réalise un épisode de Charlie Brown.

Les victimes de bullying auront sérieusement froid dans le dos en regardant PLAY. Ces derniers se retrouveront lancés à nouveau dans ces jeux de pouvoirs dont les subtilités semblent échapper cruellement à certains parents. L'ordre de préséance montrée sans fard, à hauteur de jeune homme

En parallèle, Ostlund nous montre sa vision d'une Suède contemporaine en redéfinition; une scène oû des latinos déguisés en iroquois font du World beat sur un coin de rue consolide dans son absurdité ce sentiment de perte de repère. Il prend aussi quelques risques en ne se complaisant pas à peindre des jeunes immigrants qui souffrent de pauvreté et en démontrant les mécanismes pervers de l'instrumentalisation du racisme.

Bien au delà de tout désir de commentaire social, PLAY est un suspense naturaliste qui dérange grandement, servi par de jeunes comédiens tout à fait crédible. Une découverte de taille

SNOWTOWN de Justin Kurzel- GUMMO 2: goin' down under!

La grande qualité de SNOWTOWN, c'est d'être candide tout en gardant son sens indéfectible de la fumisterie. Accessoirement, le film nous raconte l'histoire d'une famille australienne défavorisée vue à travers le regard d'un des fils, Jamie. Pour échapper à sa vie merdique, il se lie d'amitié avec John, un individu charismatique qui intégrera rapidement sa famille. Ça tombe plutôt mal, l'individu est John Bunting, aujourd'hui le plus tristement médiatisé des tueurs en série d'Australie. Jamie découvre rapidement que John n'est pas le papa dont il avait besoin...ou peut-être que si justement, ce qui est bien pire.

La première heure de SNOWTOWN est hilarante bien malgré elle : le réalisateur s'acharne avec une diligence déroutante à copier tous les grands plans de GUMMO, le film d'Harmony Korine, à quelques inflexions près...mais avec un sérieux qui frôle le pompeux. Je ne parle pas de quelques emprunts prétextant l'hommage mais bel et bien de la totale, the whole shebang, le rip-off de long en large. Tout y est: photo jaune-pisse, acteurs avec des gueules de consanguins et freaks de grand chemin, la cuisine en contre-plaqué, les engueulages familiales inconfortables, les goons qui se tiraillent et même les repas dégoutants de spaghettis mastiqués en stéréo. On a même remplacé les scènes de trituration de cadavres de chats par des kangourous. La totale je vous dis!

Jusque là, l'idée de voir un GUMMO 2 en Australie me plaisait plutôtt bien. Le problème, c'est que Kurzel est occupé à donner à son film des airs de WAR ZONE, le film de Tim Roth. Qu'est-ce qui manquait à GUMMO selon lui? Un Ray Winstone. Un personnage charismatique et inquiétant qui se révèle être un monstre. Ray Winstone joue toujours les figures paternelles déviantes dans ces étouffants drames sociaux anglais. Trouvez moi tout de suite un Ray Winstone! Le rôle du tueur Bunting sera donc tenu par Daniel Henshall (seul point fort du film, du vrai gaspillage), sorte de Ray Winstone océanique.

Exit GUMMO. La deuxième heure, Kurzel fait du pilote automatique en pastichant maintenant HENRY:PORTRAIT OF A SERIAL KILLER...avec le même sérieux débonnaire dans l'appropriation. Tout y sera, même la scène réglementaire d'étranglement trop longue. SNOWTOWN est un de ces produits bâtards et amorphes qui se cachent derrière de vagues justifications conceptuelles, en prônant à fond la carte du post-modernisme. Ce qui est miraculeux, c'est qu'il arrive à plaire à quelques cinéphiles, malgré sa vacuité presque totale.

Plusieurs personnes quittaient pendant le film. Ce fut le cas aussi à Cannes, dit-on. Les producteurs pourront crier à qui veut bien l'entendre que le film est trop choquant pour certaine personne. Alors qu'en réalité, les gens quittaient parce que SNOWTOWN est aussi captivant qu'une tempête de neige dans l'écran et aussi pertinent que le son de l'écho.

Notre émission du 19 octobre: Assassins, lavage de cerveau et libre-arbitre

2011-10-25T12:55:00.001-04:00

Cliquer sur la photo pour écouter notre émission sur le sujet

Jodorowsky disait récemment, en parlant de son futur film KINGSHOT, que les gangsters étaient les derniers grands personnages métaphysiques du cinéma. Il est vrai qu'ils ont remplacé en quelque sorte les samourais et autres desperados; suffit de voir la révérence avec laquelle toute génération rédécouvre SCARFACE.

Qu'en est-il dans ce cas des assassins? Forcément, la dimension métaphysique de l'assassin au cinéma est encore plus forte que celle des gangsters. Ils sont des incarnations de la mort, de la mince ligne rouge qui décide du sort des individus. Il est souvent conditionné, entrainé, réglé au quart de tour. Il diffère du meurtrier et du tueur en série parce que très souvent, il ne jouie pas nécessairement de sa besogne. C'est un ouvrier et parfois, un mécanicien de la mort, tout simplement.

Que son conditionnement soit le fruit d'un lavage de cerveau invasif ou d'un entrainement pavlovien, l'assassin au cinéma devient souvent un point d'interrogation sur la notion de libre-arbitre et de conscience. De MANCHURIAN CANDIDATE à NIKITA, c'est lorsque l'assassin doute de lui-même et connait la fatigue que le moteur du drame s'enclenche. C'est la grande tragédie de l'assassin que de douter de lui-même.

Ce sont ces notions que nous abordons a l'émission cette semaine...à bout portant.

FNC '11: Critique de HORS SATAN-Le cinéma sera mon église

2011-10-23T20:07:00.001-04:00

(Cette critique est précédemment parue dans Le Baron Mag ici même)

Il pleuvait des torrents le jour où j'ai vu HORS SATAN au FNC. Une pluie lourde froide.. Je me rendais à vélo au cinéma quand elle m'est tombée dessus sans crier gare; 20 secondes et mes pieds baigneaient dans le petit marécage de mes godasses. J'ai froid, j'ai faim, je suis maussade et je m'en vais voir un Bruno Dumont. C'est parfait. Fuck la 3-D: nothing is better than the real thing.

J'entre dans la salle de cinéma. La climatisation est si forte que le froid me rentre instantanément dans les pores. La salle est sombre et je n'y vois absolument rien. L'obscurité a duré quelques interminables secondes. Un pote m'avait gardé un siège mais je ne le voyais pas. Je suis resté debout, immobile, jusqu'à ce que mon ami apparu de nulle part vienne me chercher et me guider vers mon siège. Again: nothing is better than the real thing.

La réalisatrice Catherine Martin est derrière moi. Je me rappelle en la voyant que son MARIAGES est un de mes films québécois préféré. Je me souviens de quelques scènes de ce film et je me dis à ce moment là que Dumont doit avoir eu une certaine influence sur elle. Je ne veux pas la déranger et je dispose mes vêtements dégoulinants autour de moi en silence. Je la regarde furtivement. Catherine Martin a des yeux noirs et percants, je trouve. Je m'affale dans mon siège. L'eau froide et poisseuse me cole au corps. Mon ami me tend une barre tendre. Je le remercie en grellotant.

Le film commence. À l'écran, il pleut des torrents. Premier plan du film: sous cette pluie, une porte anonyme s'ouvre et une main tend un sandwich à une autre main. Quelques secondes seulement et je vis mon expérience de cinéma la plus viscérale de l'année. J'admet sans broncher que j'ai un penchant ésotérique et à ce moment précis, j'embrassai avec reconnaissance la conjugaison de ma réalité et de celle du film. HORS SATAN m'a déjà possédé.

Je n'ai pas la moindre idée de quoi parle le film de Dumont, si ce n'est du texte magnifique d'Helen Faradji dans le programme du FNC. J'imagine un peu de quoi il en retournera. J'ai vu ces autres films. Comme toujours devant un Dumont, je somnole un peu au tout début. Ca ne me dérange pas outre mesure et pour moi, ca fait partie de l'expérience. De toute manière, je retrouve souvent les personnages au même endroit où je les avais laissés.

Il y deux personnages à l'écran. Une jeune femme à la peau blanche et au regard triste et un homme, fascinant. Son visage est assymétrique, avec une arcade souricillière qui dévie. Il a des yeux clairs et des dents de lièvre.

Jadis, je faisais des run de truck pour distribuer des denrées alimentaires à des groupes communautaires une fois par semaine. L'homme avec qui je faisais ces runs lui ressemblait beaucoup. Un gars de peu de mot toujours sur la go avec un regard profond. Il avait la maladie de Crohn et sentait la clope et la sueur. J'aimais bien cet homme qui distribuait de la nourriture aux gens sans se faire payer. Mes silences de plusieurs heures avec lui dans son pick-up me plaisait beaucoup. Des fois, on grignotait une tranche de pain aux raisins grapillée dans l'entrepot. Il s'appelait Daniel. Je le trouvais beau et je n'ai jamais eu la moindre idée de ce qui se passait en lui.

Le personnage masculin de HORS SATAN me faisait penser à Daniel. On ne sait d'où il vient et pourquoi il s'installe dans le village sur la côte. Il est de passage, c'est tout. II est comme le Survenant, comme Zatoichi, comme l'incroyable Hulk dans la série télé, comme le Vagabond (le célèbre chien y fait d'ailleurs une apparition remarquée dans une scène de crossover) . C'est un quéteux. Il erre. Il dort dehors. Se réchauffe en se faisant des petits feux.

Une relation se forme entre lui et la jeune fille. Un amour platonique, où ils marchent en silence, se parlent peu.

Mes vêtements sèchent doucement. Je me réchauffe. Je regarde cette homme de passage et son étrange visage. Je regarde comment Dumont arrive à extirper le sacré de cet individu qui n'est pas un acteur. Je pense à Daniel et à nos runs de trucks silencieuses. Je pense à cette citation de Maitre Eckart: On peut concevoir la chaleur sans le feu et la lumière sans le soleil, mais on ne peut concevoir Dieu sans l'âme ni l'âme sans Dieu, tant ils sont un.

Je termine HORS SATAN. Mais qu'est-ce que je vais bien pouvoir écrire sur ce film? Je pense à deux phrases, que je griffone sur un calepin encore humide.

"Dumont a fait un miracle" et "le cinéma est mon église"

-FRANCIS OUELLETTE

FNC '11: Critique de LOS ULTIMOS CRISTEROS-Marcher entre l'ivraie et le faux

2011-10-22T12:52:00.004-04:00

(Cette critique est initialement parue ici dans le Baron Magazine)

Je me confesse. Je suis un fier apostasié et j’ai une perspective de l’Église qui oscille entre l’indifférence et le dégoût. Par contre, les Écritures m’émeuvent profondément. La figure du Christ également. Il me suffit de voir l’effigie du Crisse pour me sentir entre bonnes mains, comme si un vieux pote de route me saluait, genre vieux routard. Conditionnement judéo-chrétien résiduel qui traverse les générations, sans doute. Reste que Jésus est pour moi un crisse de bon diable, one of the best.

Surprise de taille: Jésus est au FNC cette année, du moins, sa version gnostique. L’Apocalypse est encore et toujours dans l’air du temps aussi. Les deux viennent souvent ensemble, à ce qu’on dit. Il y a L’Eschaton Tarkovskien tout en intimité du dernier Béla Tarr, celui de TAKE SHELTER et son prophète parano. MELANCHOLIA, bien sur, et surtout le dernier Bruno Dumont, qui assume pleinement son mysticisme chrétien. Mais c’est dans LOS ULTIMOS CRISTEROS de Matias Meyer que le Christ est le plus présent. Il s’incarne dans une poignée d’hommes aux visages burinés qui portent le sombrero.

En 1925, le gouvernement mexicain décide d’imposer de sévères restrictions aux pratiques religieuses du peuple, pouvant aller jusqu’à la peine de mort. Un petit groupe de rebelles, les Cristeros, s’y oppose et continuent de vivre selon les principes de leur foi. LOS ULTIMOS CRISTEROS nous montre le chemin de croix de ces hommes en fuite. Sporadiquement, les balles fusent du vide, comme si le paysage lui même les crachait, et les hommes tombent petit à petit. Ce chemin de Croix, Meyer nous le fait vivre pas à pas, entre langueur et lenteur. L’approche rappelle, c’est inévitable, les méditations filmiques de Reygadas mais aussi celle de Dumont (voir HORS SATAN et ce film le jour même doit laisser le spectateur dans un certain état de Grâce). La faim s’installe, la cadence des hommes ralentie. Les munitions servant aux coups de semonce se raréfient. Les nuits sont froides et les jours sont secs. Assoupis sur le flanc d’une sierra, dormant sous leur sombrero, agonisant dans une grotte, immobiles sous la lune… les moindres détails du chemin de croix des derniers Christeros nous seront montrés.

Au début, le quotidien de ces hommes est d’une intolérable monotonie; même le cinéphile le plus aguerri et habitué au parcours aride peinera parfois à les suivre. Autour de moi dans la salle de cinéma, beaucoup d’œil se fermait doucement. C’est précisément à ce moment que le miracle se produit. C’est dans cet état de fatigue que le spectateur devient lui-même un Cristeros. Si les prières psalmodiées et inaudibles retentissent dans le paysage, les quelques rares morceaux de trompettes sorties tout droit d’un western-spag deviennent des lamentations. Meyer filme les sillons du visage des hommes- dont aucun ne sont comédiens professionnels- comme il filme le paysage. Un autre miracle se produit alors; les hommes et la terre finissent par se confondre. Poussiéreux et craquelés, ils s’incarnent dans la terre et y trouvent leur salvation. Dieu est ici dans les fissures du monde. Quand, sur le bord du feu, après des longues minutes de silence, les derniers Cristeros sortent leur guitares pour chanter une complainte sur leur pendaison imminente, l’effet est instantané...les yeux fatigués de nombreux spectateurs se couvrent de larmes. Et pendant quelques minutes, l’athée que je suis s’est mis à envier cet incommensurable amour et cette soif de vérité.

Qui l’eut cru; Jésus est au FNC cette année.

FNC '11: Critique de SHAME-Vérités ou conséquences

2011-10-18T16:36:00.002-04:00

(Cette critique est originellement parue dans Baron Magazine).

Le premier film de McQueen, HUNGER, montrait avec une approche quasi clinique l’atomisation d’un membre de L’IRA incarcéré qui menait une grève de la faim. Le spectateur voyait son interprète principal, Michael Fassbender, disparaitre graduellement à vue d’œil. L’acteur avait pratiquement accepté de se laisser mourir. Le corps de Fassbender devenait en quelque sorte le paysage aride du film, arpenté dans ses moindres anfractuosités.

Le premier truc que j’ai fait en terminant le premier film de McQueen, c’est de manger avec révérence la première chose comestible qui me tombait sous la main. Une brioche aux petits fruits pour être exact, forcément une des meilleures de toute ma vie. J’ai ensuite attendu patiemment le deuxième film de McQueen.

Avec SHAME, McQueen retrouve Fassbender pour nous montrer le quotidien d’un homme qui souffre de dépendance sexuelle.

En terminant le film, j’ai constaté que je l’avais regardé dans un véritable état de dédoublement. Le cinéphile et l’obsédé sexuel l’ont vu en même temps, mais ils ne l’ont pas vécu de la même manière. Je les laisse donc alternativement s’exprimer.

Le cinéphile :

Brandon travaille dans une compagnie anonyme au cœur de New-york. Il a des fringues d’enfer, un corps superbe et une bitte aussi imposante que sa bourse. Il pourrait sortir tout droit d’un roman de Bret Easton Ellis, une sorte de lointain cousin des Bateman. Brandon est incapable de connecter aux gens parce qu’il est dépendant sexuel. Toute sa vie est organisée en fonction de ses appétits. Le tableau est large : séduction constante et chevronnée, multiples relations sexuelles par jour, masturbations compulsives et consommation outrancière de pornos. Rien ne semble remplir le vide qui l’habite. Une réalité qu’il devra affronter quand sa sœur, une envahissante hystérique assoiffée d’amour, vient s’installer chez lui. Avec en prime, un généreux side order d’ambigüité…

Là où McQueen nous montrait l’atomisation physique de Fassbender dans HUNGER, il nous montre celle de son cœur dans SHAME. Au sommet de son talent et de sa beauté, absolument bouleversant, Fassbender est filmé dans tous les détails de son obsession; son regard de prédateur affamé, ses larmes, ses grimaces de jouissances, la dureté de son corps et de ses gestes. La musique d’Harry Escott souligne avec emphase la mélancolie de ses ébats qui ne lui apporteront jamais satiété. Avec HUNGER, SHAME forme un dyptique informel sur la vacuité et la nature de l’appétit. Espérons une trilogie, parce que McQueen est un formaliste fascinant.

Avec LAURENTIE, présenté au festival cette année, deux films traitent sensiblement le même sujet avec une approche similaire; le vide idéologique et existentiel d’une certaine génération, montré frontalement et organiquement.

L’obsédé:

Oh la honte. SHAME m’a confirmé que je suis un obsédé sexuel. Vous l’êtes probablement aussi. Disons le bien franchement, je ne doute pas qu’il y a en ce bas monde des gens qui souffrent profondément de cette dépendance et je ne la ridiculise pas. Impossible cependant de croire au drame de Brandon, malgré le jeu magistral de Fassbender. La totalité des gestes qu’il pose dans le film, je les ai posé un nombre incalculable de fois. J’en ai assumé les conséquences. Une quantité raisonnable d’hommes font de même. Mon quotidien est façonné en permanence par les exigences de mes instincts, de la masturbation récurrente au boulot jusqu’aux baises urgentes devant les passants. Si si. C’est un enfer bien douillet que semble vivre Brandon. Impossible de ne pas sourire devant ces scènes où il pleurniche sur des envolées de piano en faisant du triolisme. La souffrance du mâle alpha blanc des États-unis est une chose assez drôle à voir, avec ou sans ironie de la part de réalisateur (rappelons que Steve McQueen est afro-américain). Si le protagoniste avait été dodu, moche et vaguement inquiétant, le tout aurait pris une dimension autrement plus convaincante. Or, en filmant de façon si inspirée la tension érotique qui habite Brandon, avec cette attention aux détails, à son corps magnifique et au plaisir évident de ses jouissances, McQueen ne parvient pas à inciter la moindre sympathie pour la condition de son personnage. Par contre, il est parvenu à exciter pas mal de monde dans la salle et je me suis fais un plaisir à observer la chose. Si on voulait me servir une bonne leçon, elle a eu l’effet d’une fessée invitante.

Je le dis sans honte; SHAME est terriblement excitant. Beaucoup même…tellement que le premier truc que j’ai fait le générique à peine terminé, c’est de me satisfaire dans les toilettes du cinéma.

-Francis Ouellette

FNC '11: Critique de GUILTY OF ROMANCE-Belle de jour pour toujours

2011-10-16T14:19:00.001-04:00

Ahhhh! Sion Sono! Pas moins de deux Sono en circuit festivalier en une seule année (et pas les moindres)! Il est parfois bon de vivre dans la cours à scrap de mononcle Tremblay!

Amateurs de sadisme cinématographique, réjouissez vous! Si COLD FISH, le précédent film de Sono présenté à Fantasia vous avait laissé froid (C’est possible?), GUILTY OF ROMANCE est le roman-savon corrosif à vous frotter vigoureusement dans le regard.

Izumi est l’épouse servile d’un romancier à succès, froid et ennuyant de surcroit. Son quotidien est une suite de besognes monotones qui pourraient achever le plus tenace des majordomes anglais. Elle accomplie le tout avec une diligence qui n’a d’égale que sa fascination pour son mari. Même si elle vêtue jusqu’aux amygdales de robes lui donnant des allures d’Hedda Gabler du Soleil Levant, rien de pourrait vraiment dissimuler la volupté de ses formes étouffées. Pour ajouter du piquant à sa vie, Izumi prend un boulot dans un supermarché. Elle fait déguster des saucisses aux passants.

C’est dans ce contexte alimentaire qu’Izumi se fera approcher par une dame un tantinet louche qui lui propose de devenir mannequin. Ce sera aussi le point de départ d’une dantesque et (oserais-je le dire?) kafkaïenne épopée où Izumi découvre que stupre et liberté ne riment pas nécessairement mais se voisinent souvent. En plongeant tête première dans l’exploration de ses fantasmes, la confiance d’Izumi prend (trop?) rapidement de l’expansion.

Au menu : prostitution, pornographie, viol, claque sua yeule, avec en prime une accessoire histoire de meurtre assez juteuse. Le tout servi par la plantureuse et fébrile Megumi Kagurazaka, mannequin réputée que Sono avait déjà portée aux nues dans COLDFISH, sérieusement en voie de devenir sa muse. En martyrisant sa comédienne avec des méthodes qu’approuveraient benoîtement Von Trier, Sono questionne encore le part de fantasmes féminins occultés par la société nippone. L’abandon total de Kagurazaka à ce rôle écrit pour elle est palpable. Elle agite avec souplesse tout l’éventail des clichés de la femme japonaises; servile, objet, soumise, vierge éplorée et putain hystérique…

Exploration de la condition féminine, répressions des fantasmes menant à la déviance et découverte de réalités parallèles où toutes les explorations sont permises… Encore ces violons baroques et ces espaces habités d’artefacts occidentaux. Les portraits de dégénérés de Sono n’ont jamais été aussi petinents. BELLE DE JOUR dans un pays encore déchiré entre ses paradoxes, GUILTY OF ROMANCE laisse une jolie cicatrice rose et purulente sur la conscience.

-Francis Ouellette

FNC '11: Critique de SURVIVING PROGRESS-un pense-bête de somme

2011-10-15T08:48:00.004-04:00

Après la décennie de documentaires engagés qui vient de passer, le cinéphile moyen a eu droit à son lot de conscientisation. Écologie, économie et irrémédiable chute de notre civilisation, les enjeux sont faits et rien ne va plus. Entre les têtes parlantes de spécialistes et les violons accompagnant les images de terre décimée, que reste t’il a dire (et à inventer) pour les documentaristes à venir? Après les documentaires art-house à la Baraka et autre nananananKatsi avec des trames sonores world-beat co-produite par Scorsese et les essais qui balancent des graphiques et des larmes, que reste t'il?

Surviving progress est conscient de tous ces enjeux. Inspiré du manifeste de Ronald Wright A brief history of progress, le film de Mathieu Roy et Harold Crooks laisse la parole à plusieurs esprits d’une finesse rare, allant de Wright lui-même à David Suzuki, Margaret Atwood et Mark Levine. C’est aussi un labor of love de quatre ans. Il n’est cependant pas là pour réinventer la forme ou le propos mais bel et bien pour continuer le travail, dans tous les sens du terme. Il le fait d’ailleurs avec un sens indéfectible de la vulgarisation et de la démonstration, en ratissant large. À défaut d’y apprendre quoi que ce soit de nouveau sur la survie de notre civilisation, c’est la synthèse des nombreuses et complexes problématiques qui est ici complètement maitrisée. Wall street, corruption, déforestation, dettes nationales, génétique, tout y passe dans un panorama brutal des « progress traps » dans lesquelles nous sommes coincés. Les mécanismes de ces pièges sont déconstruits, analysés et au final, quelques pistes de solutions sont données.

On en ressort avec des images et des paroles qui collent à la conscience. Notre civilisation est une expérimentation ratée qui tire à sa fin? Sans doute. Nous devons consommer moins? Clairement. Mais ce que Surviving progress nous rappelle, c’est que la grande faculté de notre espèce est d’analyser et régler des problèmes abstraits. Reste à savoir si l’on y arrivera à temps…

George Carlin, un des plus grands philosophes de 20ème siècle, avait déjà tout compris...

Notre émission du 12 octobre: Laurentie-une discussion avec les créateurs

2011-10-12T08:00:00.001-04:00

Le film LAURENTIE de Simon Lavoie et Mathieu Denis fera enfin sont arrivé chez lui au FNC demain.

Déjà précédé d'une solide réputation (c'est un des 5 films qu'il faut voir au FNC selon Marc- André Lussier), il est pour le 7ème un film crucial, évoquant avec pertinence le malaise d'une certaine québécitude contemporaine. Au risque de répéter des arguments de ma critique (que vous pouvez lire ici les aminches!), il est en quelque sorte LE CHAT DANS LE SAC de ma génération: il attaque de plein fouet nos problèmes identitaires, sans aucune complaisance.

L'existence même de LAURENTIE est improbable. C'est un film qui prend beaucoup de risques, à plusieurs niveaux, et qui ne cherche pas à plaire. Les débats seront assurément nombreux à son sujet. Je ne serais pas surpris qu'une lecture au premier degré fasse passer les réalisateurs pour des réactionnaires. Chose certaine, tous les gens qui ont oeuvré sur ce film ont du courage à revendre (ce dernier mot, par ailleurs, on le trouve déjà dans la plupart des premières critiques le concernant )

Nous aurons aujourd'hui en studio le producteur Sylvain Corbeil et le co-réalisateur Mathieu Denis pour parler de la genèse de leur film, de leurs attentes et de leur vision.

Vous pouvez nous écouter ICI MÊME à 3:30.

FNC '11: Critique de LAURENTIE- un fils déçu de race ordinaire

2011-10-08T17:12:00.009-04:00

Vous pouvez écouter notre discussion sur le film avec le producteur Sylvain Corbeil et le co-réalisateur Mathieu Denis en cliquant sur l'affiche en bas

Je suis le fils d'une souverainiste lesbienne, l'enfant unique d'une mère monoparentale. Je parle anglais et je suis consommateur de culture américaine. Je connais bien mes grands poètes québécois, je les cite assez souvent. Je suis un Montréalais de souche, enraciné dans l'asphalte, qui fait souvent l'erreur d'observer sa culture avec les œillères du citadin. Du Québec extérieur, je n'ai vu que très peu de choses. Celui de l'intérieur, de la musique, des contes et des mots, je le porte comme une gibecière, à vider et à remplir à ma convenance. J'ai aussi le cynisme assumé et sans fierté de plusieurs gens de ma génération.
J'aime voir les fantasmes, les rêves et les échecs de mon pays sur un écran de cinéma. Je suis ému par ces films qui parlent de nous mais qui sont aussi traversés d'une certaine soif d'universalité. C'est précisément cette consolidation qui m'a fait tant aimé Mémoires Affectives de Francis Leclerc; c'était un film qui n'avait pas peur de parler de notre atomisation et de notre mythologie récalcitrante, qui savait se servir de nos archétypes. Une dernière confidence: je suis cinéphile avant d'être québécois.

Voilà quelques années, de la main généreuse d'un ami, je reçois une copie du scénario de Laurentie, jadis intitulé C'est donc ça nos vies. Ma lecture finie, j'ai une légère fièvre. Je suis envieux de ce que j'ai lu, j'aurais aimé l'avoir écrit. J'ai l'impression que quelque chose de vital s'y trouve mais surtout, j'ai vécu, d'une façon épidermique, le malaise du personnage. Je l'ai vécu en tant que Québécois, en tant qu'homme de ma génération, en tant que francophone et en tant qu'idéaliste qui se bat mollement.

Je me suis ensuite dit: ce film ne se fera jamais, no fucking way.

Pas seulement parce qu'il allait assurément être traversé de scènes qui choqueraient, autant au niveau de la forme que du fond, mais parce qu'il ne ferait pas de compromis lénifiants sur aucun de ses thèmes.

Ce film ne se fera jamais.

Ça allait prendre beaucoup de couilles et encore plus de cœur pour faire Laurentie. Puis, mon ami en est devenu un des producteurs. Justement, un gars avec beaucoup de cœur et de couille.

Quelques années plus tard, je vois, j'écoute Laurentie (on le lit également, vous allez le constater). Je regarde ce film dont l'existence me semble improbable, avec son Étranger errant dans un Montréal en mutation qui cherche à s'étendre sur tout le Québec. Ce gars à l'identité absente, avec ce physique de quidam (il faudra saluer le courage du comédien principal, Emmanuel Swartz. Lui aussi a beaucoup de coeur et de couille).

Plusieurs fois, mon regard grince devant la mélancolie lancinante des images, devant le pathos de son propos et son incommunicabilité loquace. Mais surtout, je me prend son drame ordinaire en pleine face. Ce n'est que plusieurs mois plus tard que je tombe sur le synopsis officiel:

Je m’appelle Louis Després, j’ai 28 ans. J’habite à Montréal, dans cette ostie de province de merde. Je ne sais pas ce que j’aime. Je ne sais pas qui j’aime. Je ne sais pas ce que je veux faire de ma vie. Je ne sais pas qui je suis.

Mais je sais pourtant que je ne suis pas cet Autre.
Cet Autre est beau, sa langue est belle et séduisante – mais je ne la parle pas. Il est entouré d’amis – je n’en ai pas. Il est heureux – je ne le suis pas. Depuis peu, cet Autre est mon voisin de palier. Sa présence à mes côtés, sa simple existence me rappellent sans cesse ma propre déchéance et m’apparaissent de plus en plus intolérables.

J'attendais un film comme Laurentie depuis Mémoires affectives. Une histoire qui s'octroie le droit d'exalter et de déconstruire notre mythologie récalcitrante et d'en faire une tragédie de la banalité. Entre la rue Mont-Royal et Saint-Laurent, ces artères mythiques où jadis, deux peuples se croisaient et se mélangeaient prudemment, il y a toute une zone de guerre intestine encore bien présente. Le Montréal de Laurentie est une très vieille Cité, plus ancienne que son âge véritable.

Ma génération avait besoin qu'on lui donne son Chat dans le sac. J'ai maintenant le mien. Dans Laurentie, il n'est pas question d'appel à la révolte, de haine de l'autre ou de survie de notre culture. Il est question, à mon sens, d'observer ouvertement la part d'ombre du cœur québécois et de l'assumer sans complaisance. C'est ca, pour moi, qui est une question de survie. Beaucoup de propos maladroits seront probablement tenus sur le film de Simon;Lavoie et Mathieu L. Denis au moment de sa sortie; invariablement, il sera le vecteur de débats et d'inconforts. Pour ma part, je tiens simplement à leur dire merci.

Laurentie sera présenté au FNC le 13 octobre à 13h00 et le 16 octobre à 19h00. Vous pouvez consulter le site officiel du film ici même. Il est à voir sur grand écran.

FRANCIS OUELLETTE

Notre émission du 05 novembre: Buffet froid VS le 7ème antiquaire

2011-10-06T16:49:00.002-04:00

-Quel effet ca fait (mourir)?

-Un peu comme un lavabo qui se vide

Depuis cinq ans, on nous a beaucoup demandé de faire une émission sur Buffet Froid de Bertrand Blier.

Voilà c'est fait.

Et justement, savez vous comment on se sent maintenant?

Comme un lavabo qui se vide...

On va certainement par écrire un putain de papier sur le sujet...

on a dis tous ce qu'on pouvait dire de pertinent et d'impertinent sur le sujet.

Bon allez, laissez moi seul...

mais avant, tu écoutes notre émission EN CLIQUANT ICI

Votez T IS FOR TURBO!

2011-09-30T19:42:00.003-04:00

Salut les aminches!

J'ai un petit service à vous demander...
Il vous suffira de prendre cinq minutes de votre temps pour regarder ceci:

Vous avez aimé?

Alors je vous invite à aller voter en CLIQUANT ICI et en appuyant tout simplement Vote for this has 26th filmaker'' et confirmer ensuite son vote par courriel.

Je ne vous demande pas ça parce que je joue dans le film et que je suis un narcisse de paille, ni parce que ce sont des potes qui l'ont fait. Je ne vous demande pas ça non plus parce qu'on y voit une homérique et grand guignolesque bataille sur fond de paysage post apocalyptique fait par des cinéphiles passionnés...avec des BMX. Ni même parce que les méchants sont vêtus de cuir et font peur et qu'Yves Corbeil joue le chef.

Je vous demande simplement de voter pour lui parce que c'est déjà un des meilleurs films de la sélection The ABC's of Death et que RKSS mérite grandement de gagner les 5000$ du concours dans le but d'en faire un long métrage.

Merci.

Notre émission du 28 septembre: Eldorado et autre quichottisme de pellicule: Aguirre VS Cabeza de Vaca

2011-09-29T17:06:00.004-04:00

Pour nous écouter, cliquez ici sans hésitations mais il serait plus convenable de lire le texte avant, sérieusement

I believe the common character of the universe is not harmony, but hostility, chaos and murder- Werner Herzog (me rend heureux)

Salut. C'est Francis qui parle.

Au 7ème antiquaire, on aime les vieilles choses qui scintillent dans la pénombre de nos craintes séculaires, comme les hautes d'un truck à vidange dans le regard d'un écureuil. Nous sommes des dompteurs de chimères, des insoumis et des éboueurs idéologiques. C'est bel et bien pour ca que le cinéma est notre principal outil de méditation: les rêves démesurés des hommes, c'est notre violon d'Inde!!!!!!!!!! Justement les aminches: cessons de jouer du violon et passant du côté des Indes, là où nos ancêtres de voilà très longtemps allaient hardiment scorer le scorbut.

Ahhhh Eldorado...

Symbole de toutes les démesures humaines, de nos cœurs fourrés jusqu'aux ventricules de cupidité. Eldorado: les Mystérieuses Cités d'Or avec un gros bol de Corn-Pops qui te grafignent le palais en sang si tu ne les laissent pas ramollir suffisamment dans le lait. Eldorado: un film qui a mal vieilli où une Macha Limonchik tout en décolleté se fait ramasser par James Hyndman dans les toilettes des Foufs (que de bons moments je me suis donné avec ma main et ma manette sur le rewind. Je venais késiment aussi vite que lui!!!).

C'est aussi un excellent film de Bouli Lanners (le gros belge de Louise-Michel), distribué par FunFilm (cliquer sur le lien pour acheter une copie, c'est moi qui vend le film!)

Eldorado. : preuve unilatérale que nous sommes des ostis de singes, hurlant avecl a yeule beurrée de marde. Ça fait des bonnes vues, l'Eldorado!

Évidemment, le plus grand film sur le sujet, y'a pas de doute, ce sera toujours l'opus de Herzog, Aguirre ou la colère de Dieu. Une petite image? (tout le monde ici la vu j'imagine?)

Aujourd'hui, nous allons méditer sur les grandes leçons que nous offre ce film, parler un peu de Castaneda et de Conrad, de Kinski et de colonisation.

Mais plus encore, nous vous ferons découvrir un grand film inconnu (merci à David Fortin de la Cinémathèque québécoise) traitant du même sujet avec un autre angle, Cabeza de Vaca.

Film condamné, réalisé en 1990 par Nicola Echevarria et découvert pour la première fois sur les écrans français l'année dernière, c'est une bête hautement improbable et unique, comme l'Okapi. Une sorte de pendant initiatique à Aguirre, un western-peyotl sur fond d'évocations historiques et anthropologiques et de délires chamaniques jodorowskiens...produit par Roger Corman et avec des maquillages de Guillermo Del Toro!

L'horizon t'attend mon ami, et dans les rumeurs frétillantes des mirages, il y aura ma voix: il te suffit de cliquer ici même pour l'écouter

Notre émission du 21 septembre: Le 7ème a 5 ans

2011-09-22T15:44:00.003-04:00

Fais moi un high five avec ton curseur pour écouter notre émission parce que je t'aime.

Salut les aminches...

Aujourd'hui, le 7ème antiquaire célèbre sa cinquième année de la manière la plus désinvolte et sincère possible: on médite tout simplement sur la raison d'être de notre existence...en réfléchissant sur l'importance du chiffre 5 au cinéma (no fucking joke).

On termine cette cinquième année avec un exercice à la fois formel et conceptuel, beaucoup plus complexe qu'il n'y paraitra, celui de vous faire découvrir une série de 5 films absolument incontournables que vous ne connaissez probablement pas du tout. Il ne sera pas nécessairement question des 5 plus grands films couverts pas le 7ième, ni des plus importants, mais de 5 découvertes qui ne nous ont jamais quittées depuis, de films pouvant nourrir l'âme, l'intelligence et le cœur pendant des mois.

Ensemble, ces 5 films forment une sorte d'organisme Gestalt, un enchevêtrement narratif pouvant remplir tous vos besoins spirituels à satiété. Un pentagramme de chef d'œuvres inconnus permettant d'exorciser à peu près tout vos démons.

C'est notre cadeau pour vous les aminches. Non non, ne pleures pas...nous serons toujours là pour toi, c'est promis.

Merci de nous écouter depuis 5 ans.

Bonne découverte

Frank et Jim

Notre émission du 14 septembre: Humour juif et cinéma

2011-09-14T14:41:00.003-04:00

Cliquez sur la photo du bas pour nous écouter...

"L'humour n'est qu'une autre forme de protection contre l'univers"
-Mel Brooks

Tel que promis, nous avons enfin accouché de notre émission sur l'humour juif au cinéma...Oy Vey!

Pour de ne pas vous servir un truc qui serait du bupkis ou pire, du dreck, on aura en studio un pote spécialiste de la question, Nicolas Krief, qui nous donnera de son chutzpah.

Ça nous évitera de sonner comme des klutz ou pire, de passer pour des schmucks.

Pourquoi l'humour juif? Parce qu'il est impossible de parler de cinéma américain (ou même d'entertainement) sans considérer la part de l'âme juive qui l'habite. Certes, le cinéma doit énormément aux producteurs juifs, mais encore plus à ses auteurs et ses grands comiques. L'humour juif est une forme d'expression extrêmement codifiée qui reste pourtant irréductible. Comme le disait Louis Armstrong, dans ce qui est sans doute le plus célèbre koan zen occidental, "if you have to ask what jazz is, you'll never know". Il en va de même pour l'humour juif. Savant mélange de mots d'esprit, d'auto dérision et défense contre la cruauté de l'histoire, on y trouve parfois une structure, un rythme qui n'est pas sans rappeler un koan où l'illumination vient par le rire. Un zen inversé en quelques sorte, un zen noir. Et les juifs, c'est bien connu, ont un talent inné pour rouler leur zen noir (cymbales...scandale).

Au détour de théories et de tentatives de vulgarisations vaines mais assumées, on vous parle des grandes comédies juives, leurs thèmes et leurs grands créateurs: des Marx Brothers à Mel Brooks, des différences entre l'humour séfarade et ashkénaze, le relation entre le mot d'esprit et le delivery du punch line. Shalom!

Notre émission du 7 septembre: La boxe au cinéma: 10 rounds pour 10 films

2011-09-07T17:30:00.000-04:00

Pour nous écouter, cliquez sur la photo...

Comme un direct de gauche de Muhammed Ali, vous ne l'avez pas vu venir celle là hein?

Il faut bien une première à toute chose: cette semaine, le 7ème parle de sport (probablement pour la dernière fois d'ailleurs)! Oui oui, votre humble serviteur est un aficionados du pugilat, qu'il pratiqua jadis (piètrement mais surement) sous l'égide d'un petit polonais cruel et ricanant situé à mi-chemin entre Yoda et Joe Pesci. Des belles années à manger des taloches!

Pour moi, la boxe n'est pas un sport ou une discipline. C'est un art à part entière: un art martial, bien entendu, une danse mais c'est surtout une forme de langage. Norman Mailer l'a dit mieux que moi: les bons boxeurs sont des intellectuels du corps.

La boxe et le cinéma ont toujours fait bon ménage pour de bonnes raisons. Le langage pugilistique est certes dépouillé, mais il est infiniment complexe dans les possibilités de ses combinaisons. Si un nombre évident de grands films en ont fait l'apologie, plus que tout autre sport, c'est aussi parce qu'il est traversé de légendes et de mystères, de moments historiques et de tragédies. La boxe, c'est aussi la lutte des classes, le combat intérieur, la mesure des hommes, des chants patriotiques et l'apologie de la souffrance. Elle est tour à tour à l'écran le vecteur du drame, un exercise de style et une métaphore. Elle est partout: dans les films Noirs, les biographies, les drames sociaux et les films d'action.

Dès ses premiers balbutiements, le cinéma a investi une énergie particulière à immortaliser ses grands combats.

Cette émission, on vous la fera en boxeur: 10 films, le temps de 10 rounds, en capsules punchées et rapides. Nous ne parlerons pas des grands classiques connus. Nope: des documentaires, des vieux classiques trop peu célébrés, des films modestes traversés de très beaux combats et des grandes histoires où la boxe n'est qu'un prétexte. Un panorama atypique mais inspiré, on vous le garanti.

Parce qu'au cinéma comme sur le ring, ce sont souvent les underdogs et les vieux lions qui donnent les meilleures performances.

Let's get reeeeaaaaaaddyyyyyyy to RUMMMMMMMMMBLE!

Notre émission du 24 août: RAN d'Akira Kurosawa-Shakespeare, karma et couleurs primaires

2011-08-24T11:44:00.005-04:00

cliquez ici même pour nous écouter cette semaine

Oh no they DID'INT!

Parler de Ran, le dernier grand film de Kurosawa, c'est comme regarder directement le soleil avec le dessein de le décrire. Mais Kurosawa a justement été un des premiers réalisateurs à filmer le soleil (dans Rashomon). Il a aussi coloré la pluie, créé un effet et regardé la mort dans les yeux à quelques reprises. En 85, l'année de sortie de Ran, Kurosawa avait cessé depuis quelque temps d'être un réalisateur. Il était devenu un créateur et un mystique.

Si Kurosawa a regardé le soleil et la mort dans les yeux, le 7ème tentera cette semaine de parler de son dernier grand film à coeur ouvert, tout simplement.

Notre émission du 17 août: Canoniser Conan-tout ce qu'il faut savoir sur le plus grand des barbares

2011-08-16T23:59:00.005-04:00

Pour nous écouter cette semaine, cliquez sur les biceps noueux de Conan en bas

Dans quelques jours, Conan le Cimmérien, Conan au cheveux noirs de jais, aux jambes larges comme des poutres, à la démarche de panthère bondissante et au regard de fauve affamé, Conan le flibustier, le voleur, le roi, Conan reviendra pourfendre des crânes et le coeur des femmes au grand écran. Il sera incarné par Jason Momoa, un surfer dude de 7 pieds qui a l'air d'un Klingon, vu auparavant dans quelques unes des 6904 émissions de Stargate (je me dois de dire que je lui trouve plutôt une fière allure). Un surfer hawaïen: ce qui semble une tradition dans les films de Conan. Plusieurs athlètes réputés y ont joué des rôles: des basketteurs, des culturistes, des surfers (oui oui y'en a eu un autre) , des escrimeurs, des cascadeurs, des lutteurs...

C'est sous l'égide du tâcheron Marcus Nispel (Pathfinder, les remakes de Texas Chainsaw massacre et Friday the 13th) que le barbare reviendra brandir du glaive. Les attentes ne sont pas élevées et la bande-annonce en a découragé plus d'un. Pourtant, Nispel semble s'être fait un devoir de devenir LE réalisateur de films où de très grosses brutes tranchent du monde avec leur gros engin contondant. Même l'insipide PATHFINDER est parfois traversé de quelques visuels où Nispel s'est très clairement inspiré des peintures de Frank Frazetta, l'artiste à qui on doit le look contemporain de Conan (l'image classique vu plus haut, en est le plus célèbre exemple). Nispel sera t-il à la hauteur? On verra bien. Ce n'est pas encore le temps de célébrer le retour du Cimmérien.

Ah non? CROM!

Je vais vous surprendre: il n'y a jamais eu d'adaptation de Conan au cinéma. Aucune. Il y a eu plus ou moins 5 films qui ont grappillé à leur convenance des éléments de la mythologie créée par Robert E Howard. Aucune adaptation directe d'un de ses textes. Ce n'est pas qu'ils sont inadaptables; ce sont des florilèges de superlatifs qui n'ont rien à envier à Tolkien, lui même longtemps considéré inadaptable. Howard était un esthète de la description démesurée, qu'il élevait souvent à un niveau frôlant la poésie. Un délicieux exemple, pour les néophytes:

"He seemed more a part of the sun and high places of the outlands. His slightest movement spoke of steel-springmuscles knit to a keen brain with the co-ordination of a born fighting man. There was nothing deliberate or measured about his actions. Either he was perfectly at rest - still as a bronze statue - or else he was in motion, not with the jerky quickness of over-tense nerves, but with a catlike speed that blurred the sight which tried to follow him."

Bref, les portraits de Conan abondent mais peu lui ressemblent vraiment. Différents médiums ont raconté les aventures et l'attitude du personnage en lui attribuant certain traits complètement différents.

Prenons le film de John Milius, Conan the barbarian. Il est exemplaire à plus d'un titre. La trame sonore démesurée de Basil Poledouris, un classique du genre, le niveau de langage des personnages, à la fois épique et suranné. C'est aussi le plus grand rôle du Schwarz. Il y est en tout point magnifique. En outre, c'était presque une fantaisie biographique (je ne déconne pas. On ne déconne pas avec Conan). Le film de Milius est admirable, mais il n'a rien à voir avec le personnage original. Conan est un enfant de pute particulièrement dangereux et cruel à ses heures, mais il a aussi une grande vivacité d'esprit et c'est un insoumis. Il possède aussi un sens de l'humour traversé d'une généreuse dose de cynisme. Il est en tout point l'alter ego fantasmé de son créateur Howard.

Bref, si vous n'avez jamais lu une histoire de Conan, le barbare tel que vous l'avez vu au cinéma, dans les comics, les dessins animés et les série télés n'a que très peu de liens filiaux avec la création d'Howard (ils ont même très peu de liens les uns avec les autres).

Le Conan des films est plus doux, trop maussade et moins vif d'esprit. Si le physique du chêne autrichien tient du fantasme, il est loin des descriptions de l'auteur.

Le Conan des comics est superbe. On y trouve des hauts faits héroïques à la mesure du personnage, tout en furie guerrière. Ils ont consolidé l'apparence physique du personnage, directement inspirée des couvertures de roman peintes par Frazetta, et ce, pour les générations à venir. Par contre il est trop sombre, taciturne et un peu laconique. Il est aussi trop doux avec les femmes. Nous sommes 10 000 ans avant JC que diable! Le gars est presque un homme de Cro magnon!

Cartoon Conan est le petit frère consanguin de He-man. Il ne baise pas et ne tranche pas de têtes, on le devinera. Il aime trop les enfants et, avouons le, il ressemble un peu à Michel Risque. Par contre, tel que me l'a fait remarqué le surhomme Bonhomme des Sketcheurs Cosmiques dans une discussion récente (ce dernier aura sa table au Montreal Comiccon les aminches!), le thème musical du cartoon était la chose la plus virile que des jeunes oreilles chastes et sans poils pouvaient entendre à l'époque. Presque aussi prenant que la trame sonore de Poledouris, avec ses grosses voix tonitruantes et ses cuivres mur à mur:

Comparez ça à la version française:
plus rien de viril ne subsiste du thème, mais il devient néanmoins une enlevante version disco pour bar gay. On peut y entendre cette ligne sublime:

"tu as tant de force et de courage.
Rien de te décourages"

Wow. Vous imaginez s'il avait dit:

"quand tu pourfends les hommes et les femmes, tu n'as pas ton pareil

tu sais toujours où leur enfoncer ton énorme appareil"

Celui de la série télé est un croisement jovial et débile entre le Schwarz et le Hercules de Kevin Sorbo ...avec un nain (on vous reviendra en détail la dessus à l'émission).

Cette semaine, le 7ème antiquaire ne se contentera pas de faire pour vous l'analyse complète des films, nous allons vous faire une peinture exhaustive du personnage, de sa genèse et de son créateur. Tout ce que vous devez savoir sur le Cimmérien, ici même sur les ondes de Choq.Fm.

Et rappelez vous les aminches! Qu'est-ce qu'il y a de meilleur dans la vie?

1-___________ses ennemis...
2-...les voir __________ à vos pieds
3-Entendre les ___________ de leur femme!

On vous laisse sur un dessin de l'artiste Frank Cho: tout dans cette illustration est une synthèse parfaite de ce que Conan doit être. Crom!

Nos dernières soirées Grindhouse double-feature: la puppetsploitation!

2011-08-15T13:36:00.001-04:00

Ce sera les 2 dernières projections avant la mort définitive des

Projections gratuites GRINDHOUSE DOUBLE FEATURE!

Nous serons de retour sous forme d'émissions sur les ondes de Douteux.tv sous peu.

En attendant, 2 projections back-a-back.

La grande finale le 24 août!

Merci de votre encouragement!

Mercredi le 17 aout à 20H: Édition Puppetsploitation!
Au Broue Pub Brouhaha
(5860 De Lorimier)

Visitez le site web pour plus d'infos:
www.grindhouse.qc.cx

Films:

-Legend of the sacred stone (2000)

titre original: Sheng shi chuan shuo
Réalisé par Chris Huang
Synopsis: Des marionnettes maîtres d'arts martiaux combattent des démons voulant contrôler la pierre sacrée. Leur membres de bois laqués couverts de satin de chine.

Elles se battent, elles pleurent et saignent pour vrai!!!!

-Meet the Feebles (1989)

Le classique balzacien de Peter Jackson

Sexe, drogue, extortion, vol, maladie, meurtres... Voilà ce que l'on trouve dans les coulisses du "Feebles Variety Hour", un spectacle de marionnettes sans marionnettiste.

Notre émission du 10 août: Représentations de l'homme gay au cinéma- une discussion avec Lezz, le réalisateur du film LES BOULES ROSES

2011-08-10T13:38:00.006-04:00

Pour nous écouter, cliquez sur la photo

Avec le festival Fantasia qui se termine dans la gloire, le 7ème antiquaire vous revient cette semaine avec le bloc thématique que nous avions débuté voilà un mois.

Après nos émissions sur la représentation du québécois, de l'amérindien et de l'homme noir au cinéma, nous abordons maintenant le thème de l'homme gay. Nous ne parlerons pas du tout de la représentation de la lesbienne au cinéma pour la simple et unique raison que le sujet mérite une émission complète et que nous nous réservons le plaisir de la faire dans un futur rapproché.

Les débats sur ce qui constitue un film gay sont nombreux et passionnés; nous laisserons aux queer studies le défi d'en définir les paramètres. Cependant, les mythes et les symboles entourant l'homme gay en tant que créature de cinéma transcendent le sujet du cinéma homosexuel. C'est l'objet de fantasme, la figure idéalisée qui nous intéresse ici, bien au delà d'une volonté de revendication sociale. Hollywood s'est toujours nourri des fantasmes et du talent des gays, d’emblée lorsqu’il se le niait. Si le celluloïd closet est toujours bel et bien là, les images, les rêves et les désirs de l'homme gay sont néanmoins pratiquement omniprésents à l'écran.

Pour évoquer la question et parler des grandes représentations de l'homme gay au cinéma, nous aurons en studio Olivier LEZZ Lessard, le réalisateur du brillant court métrage LES BOULES ROSES...

LES BOULES ROSES un film d'Olivier Lezz Lessard en collaboration avec le collectif créatif Ubique Média

Plus qu'un simple vidéo promotionnel du Village, LES BOULES ROSES devient en l'espace de quelques minutes, le temps d'une nuit, un milieu narratif mythique où tous les grands symboles et les archétypes d'une culture sont en interaction. Une pure merveille.

Fantasia 2011: critique de SMALL GAUGE TRAUMA: Une dégustation qui sustente

2011-08-06T17:07:00.007-04:00

J'ai complètement oublié plusieurs des films que j'ai vu à Fantasia depuis 97. Je n'ai cependant jamais oublié le moindre court métrage. Fantasia a toujours mis une énergie louable à débusquer de brillants courts, souvent juste avant le moment où la carrière des réalisateurs prend son essor: les courts de Nacho Cerda, I zombie, la Chambre Jaune, Abuelitos, The separation. Bref, j'ai de très bons souvenirs de toutes les sélections de Small gauge Traumas.
Cette année, les programmeurs se sont permis quelques digressions qui étaient les bienvenues. Ce ne sont pas les courts métrages d'horreur qui sont les plus surprenants mais bel et bien ceux à caractère dramatique. Une thème ressort subtilement de cette sélection: la consommation, celle des aliments comme celle de la chair.

Survol du menu offert (Cliquez sur les photos pour voir les bandes-annonces):

SOPHIE GETS AHEAD

USA 2011 | 10 min

en anglais et en gémissements

Damien Pari
Une dame franchement bandante reçoit une bonne séance de coups de langue dans son verger. Faudrait que sa mère (au téléphone) et un petit gars slasher qui gambade par là (avec un masque de gimp) lui crisse patience pour qu'elle jouisse. Dans ce monde suintant de fertilité, les appétits se conjuguent. C'est aussi lumineux que c'est drôle et jamais un titre n'aura été à ce point le but, la cause et le moyen en même temps. Il est question de se faire manger dans tous les sens du terme.

PICNIC

Espagne 2011 | 13 min

en serbe et en silences

Gerardo Herrero

Une famille unie va manger dans un bois idyllique. Les cicatrices d'un guerre passée couvrent encore le sol sous la forme de mines tout à fait fonctionnelles. Nous sommes en Bosnie. La tension et le drame que parvient à générer PICNIC en moins de 15 minutes tient du prodige. On carbure ici à grands coups de puissants archétypes. Il n'y a qu'une seule famille, une seul bois et une seule guerre. Les horreurs sont légions et peuvent se multiplier infiniment.

WAFFLE

USA 2011 | 5 min

En anglais et en chialages

Rafael De Leon Jr.

Il faut bien choisir ses camarades de classes avant de faire ses travaux d'équipe. Quand une jeune fille se lie d'amitié avec une étudiante brillante mais défigurée pour profiter de son talent, il est mieux que cette dernière ne le sache pas. Surtout, il est préférable qu'elle ne l'apprenne pas à sa propre table pendant le repas. Sympathique petit slasher culinaire qui nous laisse un peu sur notre faim après les deux substantifiques entrées précédentes.

GOOD MORNING, BEAUTIFUL

USA 2011 | 20 min

en anglais et en larmes

Todd Cobery

Un homme a de la difficulté à surmonter le deuil de son enfant. Sa douleur et sa tristesse transforment peu à peu sa perception de la réalité. Le cauchemar du quotidien prend alors des dimensions lynchéenes. C'est la grosse bouchée de la sélection, en durée comme en technique, en contenu comme en substance. Bien joué, réalisé avec flair, GOOD MORNING, BEAUTIFUL est à la fois absurde, angoissant et traversé de pathos. Comme le MESHES OF THE AFTERNOON de Maya Deren, le monde où tente de vivre le protagoniste et traversé d'onirisme et de mélancolie. Une touchante descente aux enfers, pertinente et audacieuse.

DEVOURMENT

Mexico 2011 | 6 min

en espagnol et hurlements irritants

Lex Ortega

Après le dévoration, c'est souvent l'indigestion. Indigeste, DEVOURMENT l'est au plus haut point. L'idée de base du court, a priori excellente, n'a pas les moyens de ses ambitions; montrer la courte vie d'un zombie en caméra subjective. Malheureusement, on se croirait dans un mauvais clip de métal mexicain et le burritos regorge d'effets bruyants et cheaps. Dommage pour l'idée de base. Quelqu'un d'autre la reprend s'il vous plait?

INCUBATOR

USA 2011 | 7 min

en anglais et cris de douleur

Jimmy Weber

Tu te réveilles paniqué dans une baignoire pleine de glace. Tu es dans une chambre d'hôtel barricadée. La bonne nouvelle: la cicatrice sur ton flanc suggère de prime abord qu'on t'a peut-être volé un rein. La mauvaise: On t'a rien volé du tout. Dans les petits pots les meilleurs onguents? C'est exactement ça: INCUBATOR est un peu comme du Tiger Balm...que tu utilise comme lubrifiant. Même si l'éjaculation est dramatique est rapide, elle te saisie jusqu'aux tréfonds du trou de graine. Ça brûle en crisse le gréement...

FALLING

Australia 2011 | 7 min

en anglais bavard

Christian Doran

Un intéressant exercice en noir et blanc, avec trois split-screens, nous montrant la chute (au sens véritable et figuré) d'un petit criminel. En nous montrant simultanément le passé et le présent, les impressions intérieures du personnage et les mondes possibles de ses choix, il va sans dire que FALLING est ambitieux et chargé. Le ton très Noir du court voisine la métaphysique et avec ses trois écrans, on se croirait dans un épisode expérimental du comic SIN CITY.

BIRDBOY

Spain 2010 | 12 min

en espagnol triste sous-titré en anglais

Pedro Rivero

Après un désastre nucléaire, le monde idyllique d'une société de jolies petites créatures animales anthropomorphisées devient un désert idéologique. Il en revient au freak de service, Birdboy, de donner du sens à la vie d'une souris pour laquelle il en pince un peu. Magnifique film d'animation se situant entre Tarkovsky et Tim Burton, autant au niveau du style que du propos, BIRDBOY est...dévastateur.

PLAY DEAD

USA 2011 | 18 min

En anglais et...jappements quoi!

Andres Meza-Valdes, Diego Meza-Valde
Deux court-métrages de morts-vivants cette année, deux excellentes idées: montrer une attaque du point de vue du zombie et selon celle de... chiens domestiques. Là où la réalisation de DEVOURMENT ne faisait pas le poids, celle de PLAY DEAD est un triomphe. L'idée est traitée généreusement à une multitude de niveau. Les zombies sont terrifiants et l'attaque est brutale. Or, nous ne sommes pas directement concernés par la menace; c'est la survie des chiens qui nous intéresse. Qui n'a jamais voulu savoir ce qui allait advenir à nos compagnons dans cette situation? N'allez surtout pas croire que leur survie est chose facile: trouver à manger, traîner partout son maitre récemment contaminé qui ne lâche pas la laisse, enjamber des corps, tenter d'oublier sa maitresse. La cruauté des humains survivants est aussi un facteur à considérer. Je rêve déjà d'une probable extension en long-métrage pour PLAY DEAD; le DVD de ce film pourrait trôner fièrement dans votre collection entre HOMEWARD BOUND et SHAUN OF THE DEAD. Coup de cœur total. Vous aurez même droit à de désopilantes fiches explicatives pour chacun des personnages canins.

ANIMAL CONTROL

Canada 2010 | 16 min

en anglais muet

Kire Paputts

Je vais devoir paraphraser l'introduction en salle de Mitch Davis pour ce court; c'est simplement un des meilleurs films que j'ai vu à Fantasia cette année, toutes catégories confondues. La performance de notre Nosferatu national Julian Richings, muet et froid comme la mort, est toute empreinte de subtilité et de tristesse. Employé cadavérique d'un centre de contrôle animalier, taxidermiste à ses heures, notre protagoniste se lie d'affection pour un chien malade. Tout est maîtrisé dans ce court; le rythme, la profondeur du propos, le choix des couleurs, les silences. Kire Paputts est une réalisateur qui va s'imposer, c'est une évidence. C'est à en pleurer.

-FRANCIS

Fantasia 2011: Critique de COLD FISH: Arnaques, barbaque et compagnie

2011-08-05T15:02:00.004-04:00

Sion Sono. L'autre enfant terrible nippon du Festival. C'est à croire que les gens ne se sont jamais remis de son Suicide club. Après la consécration nécessaire de Strange Circus et le choc de Love Exposure l'an passé, son film fleuve de 237 minutes, on aurait pu croire que les gens seraient du rendez vous pour voir la prochaine expérimentation du poète. Ce serait oublier la bande annonce outrageusement mensongère qui aura attiré un public nullement outillé pour supporter ce qu'il allait voir.

Difficile donc de dire si Sono est l'enfant chéri des cinéphages ou s'il est simplement attendu par des hordes de macaques venues pour lancer les fientes de leur commentaires ineptes dans toutes les directions, surexcitées par un autre de ces "films japonais étranges et déviants". Dans la salle où je me trouvais, les deux groupes semblaient à part égale. Le pire mélange possible (ou le meilleur). Fantasia, c'est aussi l'atavisme de la foule qui hurle pour un bout de sein et un meurtre. Ça peut aller. Parfois, ça fait même partie du plaisir. Pendant Cold Fish cependant, les réactions du public étaient plus que consternantes. Elles étaient aussi morbides et fascinantes qu'un prêtre à la garderie. Elles doublaient d'une ironie bien involontaire les propos du film de Sono. Un peu comme un condamné à mort qui hurle de rire parce que le gars pendu avant lui a chié dans sa culotte...et qui ne se rend pas compte que la merde va lui tomber dans les yeux. Ce qui fera rire l'autre groupe, bien entendu.

Cold fish n'est pas une comédie. Le terme comédie noire ne lui convient même plus. C'est une toute autre créature. C'est une tragicomédie grand guignolesque, deux genres que Sono possède à merveille. C'est aussi une atomisation systématique des valeurs japonaises, une volonté d'exposer au grand jour l'horreur sousjacente de ses hypocrisies. Un autre thème qui est cher à Sono. C'est aussi une histoire "vraie", comme la plupart de ses films.

On y raconte l'histoire de Shamoto, propriétaire effacé d'une modeste boutique de poissons tropicaux. Il a une fille rebelle énervante et une femme-trophée à la voluptueuse poitrine. Le détail est de taille quand on sait qu'elle est interprétée par Megumi Kagurazaka, une célèbre "gravure idol".

Les "gravures idols", ce sont ces mannequins aux gros seins qui font fureur au Japon et qui perpétue l'idéal local de l'ingénue soumise mais vicieuse. Le symbole qu'elle représente dans le film est important et n'est pas simplement un argument commercial. Elle est la femme-objet et la victime par excellence.
Notre famille sans histoire croise le chemin de Murata. Ce dernier possède tout ce que Shamoto ne pourra jamais espérer avoir: du charisme à revendre, une boutique parfaite, des jeunes employées sexys et obséquieuses et une femme libidineuse. Sans qu'il puisse y redire quoi que ce soit, en l'espace de quelques jours, la famille de Shamoto sera totalement absorbée par celle de Murata.

L’appât est lancé, pour les personnages comme pour le spectateur. Il ne sera pas question ici de poissons tropicaux, mais de pièges tendus à des hommes. Des arnaques dignes de David Mamet, des humiliations et des tortures morales qui n'auraient pas déplues à Pasolini et une peinture poétique de l'horreur qui vaut les meilleurs Greenaway (le personnage de Murata rappelle un lointain cousin d'Albert Spica dans The cook...bruyant, imposant et impitoyable.

Murata et sa femme sont des experts du vices. Des virtuoses du crime. Il n'y pas de limites à leur inventivité et vous en verrez les moindres affres. Cold fish est un plat qui se mange froid: on y consomme en mastiquant lentement la concupiscence, la manipulation et l'indifférence. Le spectateur et les personnages sont exhortés en presque 2 heures et demi à devenir les complices de Murata. Et vous le serai jusqu'au bout...

Pendant Cold Fish, on souri avec du sang entre les dents, comme Blue Velvet pouvait faire sourire. Sono est un grand esthète de la cruauté et un encore plus redoutable satiriste. Plus que jamais, il est clair que la provocation rejoint chez lui la poésie.

Dans l'aquarium expérimental de son dernier film, il y a beaucoup de bile et de fiel. Vous cognerez sur la vitre pendant que les poissons crèvent doucement, pour votre plus grand plaisir.

Ou alors, vous allez rire et hurler pendant toutes les scènes de viols, de meurtres et de cul. C'est un mécanisme d’auto-préservation tout à fait commun que les singes ont devant la mort.

Hé...

Tant que vous ne le faites pas dans la vie, c'est ça qui compte non?

-FRANCIS OUELLETTE

Fantasia 2011 : Critique de MANDRAGORE: All work and no play

2011-08-05T13:22:00.002-04:00

Un billet de Jean-Michel Berthiaume

En guise de remerciement pour votre avide lecture et vos magnifiques commentaires tout au long de ce trois semaines de couverture effrénée, nous désirons vous offrir un amusant petit jeu pour vous détendre les méninges et vous revigorer lors de cette magnifique période de l’année qu’est Fantasia.

Le jeu sera une variation sur le classique : « jeu des 7 erreurs » mais à la sauce traditionnelle 7ème Antiquaire.

Bienvenue donc à tous au tout premier : « trouvez les 7 symbolismes dans cette description de film »

MANDRAGORE (Fabrice Blin, court de 17 minutes)

Un homme nu cours désespérément à travers les bois afin de se trouver un logis avant que le soleil ne se couche. Il trouve une cabane dans la forêt où résident une jeune femme et son fils. La femme s’occupe de lui et au long des jours, elle développe une attraction romantique pour l’intrus. Un accident la force à lui révéler qu’elle n’est pas une simple paysanne mais plutôt une force élémentale provenant d’une longue lignée de femmes pouvant créer la vie, une lignée qui se passe de mère en fille. La femme se croyant donc en sécurité révèle à l’homme qu’elle est isolée non pas par désir mais plutôt par peur. Elle a eu raison tout ce temps:, l’homme se révèle être un assassin de type « Manchurian Candidate » dont les réflexes pavloviens s'éveillent lorsqu’il est en contact avec une des ces « femmes magiques ». Nous apprenons alors que l’homme travaille pour une organisation secrète phallocentrique qui n’a comme seul but d’éliminer les femmes aux pouvoirs mystiques. L’homme, hypnotisé par ces ordres, descend la femme à coup de shotgun et informe immédiatement son QG que la menace est éliminée, pour ensuite être soudainement pris de maux de ventre. L’homme se tortille de douleur pour une bonne minute, le temps qu’un immense et majestueux arbre émerge de son ventre par sa bouche. L’homme meurt de souffrances atroces sous le regard impitoyable du fils de la logeuse, qui s’avère être une fille.

Symbolique à souhait, n’est-ce pas?

Présentation de Mandragore de Fabrice Blin from Humungus on Vimeo.

Fantasia 2011: Critique de NIGHT FISHING de Chan-wook Park : La mince ligne noire

2011-08-05T12:01:00.003-04:00

Allons à la pêche aux syllogismes ensemble vous le voulez bien? Je lance une longue introduction pour saisir un petit film qui en vaut la peine.

Si vous êtes des réguliers à Fantasia, Il y a des fortes chances que vous soyez des amateurs de cinéma asiatique (duuuh!)

Si c'est le cas, vous aurez assurément remarqué dans vos pérégrinations cinématographiques que l'Orient entretient un rapport avec l'eau qui n'a absolument rien à voir avec les occidentaux, les coréens et les japonais, en particuliers. Les bienfaits de l'animisme, vous voyez? Depuis Kurosawa qui mélangea de l'encre aux gouttes de pluie de sa tempête dans Rashomon, l'eau est devenue noire et lourde, oppressante. Elle a beau être une nourricière, elle est également une inquiétante présence qui s'infiltre partout. Il n'est pas seulement question de désastre naturel. L'eau est le voile d'un autre monde; elle transporte les souffrances et les retient. Les films d'horreur japonais, avec leurs esprits enfants noyés. Les coréens, avec leurs quais qui surplombent l'abysse, leurs scènes de baptême sacrificiel et de suicide à l’hameçon.

Si l'eau est à la fois nourricière et traversée de la souffrance des hommes, on conviendra que l'activité toute simple de la pêche prend forcément une charge symbolique considérable.

À Fantasia cette année: Underwater Love, son usine de poisson et son diablotin de l'eau. Vampire de Shunji Iwai, avec ses scènes de pêche et de gens qui veulent se suicider dans le fleuve. Cold Fish et ses poissons tropicaux. 13 assassins et ses métaphores de pèches appliquées au combat. Pour ne nommer que ceux là...Je ne vous dis pas l'idée de génie de la part des programmeurs du festival de passer Night Fishing avant Cold fish de Sion Sono.

Night fishing de Chan-wook Park est le point culminant de toutes ces thématiques. Tout le monde va à la pêche, le réalisateur également.

Pour la forme, c'est une histoire de 30 minutes filmée avec un I-Phone, un outillage léger pour une séance rapide.
Pour le fond, c'est une tragédie en trois actes:

Au cœur d'une route qui nous mènera vers l'histoire, un groupe de musiciens interprète une chanson (absolument inoubliable; vous pouvez l'écouter ici en bas de page). Mélangeant les sonorités modernes et ancestrales, habillés de costumes trois pièces et d'un chapeau traditionnel, ils sont le chœur de la tragédie, les avatars des Destinées, les échos du passé. Ils nous parlent d'un pêcheur solitaire...

Notre pêcheur se fait une séance nocturne. Il attrape quelque chose d'imprévu; le corps d'une femme. Dans son agitation, il se prendra dans les nombreux fils de ses lignes et le corps de la défunte se retrouvera blotti contre lui. Cette funeste étreinte redonne vie à la femme . Cette femme, il ne l'a pas pêché dans l'eau mais dans le monde des morts. Elle sait par ailleurs beaucoup de chose sur lui.

Acte final: le spectateur sera invité à visiter l'autre monde.

Night fishing aurait pu devenir rapidement une simple expérimentation stylistique, un caprice d'auteur sans intérêt. Loin de ça. C'est l'urgence de raconter une histoire qui prévaut ici. L'utilisation du I-Phone et de ses moyens techniques limités n'est pas une contrainte mais un outil de circonstance dans les mains du conteur. Ce n'est pas qu'une leçon de cinéma que nous fournie Chan-wook Park, c'est littéralement une invitation à la création.

Les explorations thématiques du cinéastes sont toutes là: la mort, la perte de repère, l'humour morbide et les excès mélodramatiques déchirants dont les coréens semblent avoir le secret. Au niveau stylistique, son talent pour la confection de tableaux demeure intact. Après le baptême sacrificiel de Sympathy for Mister Vengeance et le martelage homérique de couloir dans Old boy, Night Fishing nous offre quelques plans tout aussi iconiques (la première photo de ce billet en haut est un bon exemple).

Je me permet aussi une conclusion péremptoire. Nigh fishing est une synthèse des nombreuses obsessions qui traversent la cinématographie coréenne depuis la dernière décennie ( Ki-duk Kim au grand complet). La pêche n'y est pas qu'un symbole récurent, c'est une méthode.

J'aime le concept: les cinéastes coréens qui sont des pêcheurs de l'idée. Au final, si Chan-wook Park s'est permis une légère et courte séance avec un matériel léger, ça ne change rien aux profondeurs où il est parvenu à lancer sa ligne...et ce qu'il est parvenu à en extirper.

-Francis Ouellette

Fantasia 2011 :critique de WASTED ON THE YOUNG: la moralité face à l'inconfort

2011-08-04T08:36:00.002-04:00

Une critique de Jean-Michel Berthiaume

Comme nous nous plaisons à l'évoquer à notre émission, c’est souvent là où nous nous en attendions le moins (au cinéma comme dans la vie) que l’on retrouve les évènements les plus bouleversants. Ce sera mon cas pour plusieurs choses au courant de ma vie et une fois de plus, Fantasia m’aura confirmé la chose avec Wasted on the Young de Ben C. Lucas.

Vous remarquerez que je contribue à cette longue tradition d'attentes exagérées qui est parfois la manne de Fantasia. Pour ma part, je ne m’attends à ce que tous les films que vais voir en salle soient des chefs-d’œuvres. C'est plutôt que les bijoux que j’y ait vu n’étaient que presque jamais les films que je voulais absolument voir. De l'anime Mind Games à The Immaculate Conception of Little Dizzle (que j’ai seulement vu car j’ai craqué sous la pression de ma copine) et 1 (l’année dernière, fatigue et paternité latente affectant le plaisir de l'écoute),je me retrouve à chaque année à tomber sur mon film préféré seulement lorsque les conditions sont entièrement disposées pour que je le déteste. Cette année, troisième film de la soirée, fin de journée absolument épuisante, book-end à mon Mardi et VLAN! Le film que j’attends depuis longtemps...

Wasted on the Young raconte l’histoire de deux lycéens australiens : Darren (Olivier Ackland, qui carbure d'une intensité voisine à celle de Jeremy Sisto tout au long du film) ,j eune fanatique de robotique, antisocial, nouvellement intégré dans une famille nucléaire. Il doit maintenant partager une immense maison avec Zack son frère tombeur, nageur, socialite et populaire (Alex Russell, comme un « worst-of » de Ryan Phillipe, haïssable). L’autre, c'est Xandrie aux cheveux blonds et au sourire déchirant (belle comme les mots ne peuvent pas le décrire), curieuse envers le jeune homme, gentille et appréciée de tous, mais qui brouille les cartes de « l'ordre de préséance » de l'école en nourrissant un bégin pour ce demi-frère obscur du grand « jock » populaire de l’école décrit plus haut. Une belle histoire de marivaude naïf sur fond de nightlife décadent de jeunes adultes: ajoutez-moi une vraie belle histoire d’amour dans Kids et vous voyez le topo. Zack, le demi-frère populaire, fait souvent la fête chez eux, puisque les adultes y sont systématiquement absents (comme dans le reste du film et dans Peanuts) et que son statut oblige un constant renchérissement de sa popularité. Voilà donc qu’à cette soirée, luiaussi réalise que la jeune Xandrie ne devrait pas s’intéresser à son demi-frère mais plutôt à lui. Le dernier vestige de l’humilié se retrouve donc dans le viol de l'ange magnifique, un crescendo de drogue et de sexe qui se termine par un abandon du corps sur le bord de l’autoroute. La totale quoi!

La fille disparaît pour un moment, le jeune Darren s’inquiète, le frère use de ses harpies pour semer la désinformation concernant la soirée, et la meilleure amie de Xandrie investigue pour un moment. La tension monte de façon phénoménale et voilà qu’après une semaine, Xandrie reviens à l’école, meurtrie et cernée, comme si son âme même avait été déchirée.

Voilà qui termine mon résumé du film. Je crois devoir couper un peu en dessous de la première demi-heure du car ce qui suit ne pourra que vous surprendre et loin de moi l’intention d’en ruiner l’impact. Wasted on the Young devient à partir de ce moment un film Triple R : un romantic rape and revenge. C'est à savoir qui prendra le flambeau de la vengeance, ce qui devient particulièrement intense lorsque le réalisateur saute des plans de rétribution du jeune homme à celui de la jeune fille. Les deux sont absolument dévastés par cette soirée-là. La tension, tendue comme un fil de fer, bâtie sur qui se vengera en premier, devient une sorte de corde à danser pour deux; plus l’amour des deux jeunes augmentent, plus notre volonté de voir vengeance s’accomplir grossiw. Mais ce film, qui n’a rien à envier à Brick (premier film de Rian Johnson), énonce clairement bien que la vengeance n’a pas d’issue. On nous montre donc aussi, en simultané, la destruction d’un couple adorable à la manière de Blue Valentine. J’vous jure, ce film combine tellement de références que ça devient assourdissant. Un incroyable et improbable mélange des genres unis en un seul très bon film, qui poignarde, qui fusille mais qui aime, qui aime à vouloir détruire.

Kids à l’ère du 2.0, ça ira, mais ce qui frappe les plus dans cet heureux mais tortueux mélange est la réalisation de Mr. Lucas qui, du haut de ses 33 ans, (et de son premier long métrage), réussis un véritable coup de maître en s’appropriant Othello pour sa génération. Malgré la horde de « remix » Shakespeariens (O, Romeo + Juliet, 10 things I hate about you, Lion King) je ne crois jamais avoir vu un film qui possédait à ce point la fibre du barde. En lieu d’adaptation, Ben C. Lucas à tout simplement absorbé Othello pour en faire un film de notre époque et non une transposition, une appropriation. À la manière de X-men : First Class (comparaison grossière qui en plus à voir avec la structure narrative qu’avec le film lui-même) Wasted on the Young reprend les grandes lignes du triangle tragique d’Othello/Desdémone/Iago pour ensuite faire un film entièrement différent, mais qui a le même mordant. Les archétypes y sont, mais la société, n’étant plus la même, fait varier les stéréotypes, altère les situations, fait agir les acteurs différemment, tout en conservant toute sa force de la dramatique. Wasted on the Young tente d'ouvrir les plaies de jeunesse de la tragédie et qui parle sur un ton juste des grands drames de l’innocence. Il met aussi parfaitement en scène des personnages monstrueux et décadents, un génération entière d’adolescents trop beaux pour vivre sans blessure.